art plein air

ACHIEVING LIGHT IN WATERCOLORS – Quotes from Jeanne Dobie’s & Charles Reid’s books

2012-01-12T17:44:00.005-05:00

About these five watercolors

Look at these five watercolors carefully. Have you noticed how many white shapes were left unpainted? I believe that is what makes them look bright and joyful. Both Making Color Sing by Jeanne Dobie and Charles Reid’s Watercolor Secrets are must read books equally for the beginner and for the advanced watercolorist. Dobie talks about the importance of whites while Reid explains how painting in watercolor in ordinary sketchbooks helped improve many facets of his art.

The importance of whites in watercolors according to Jeanne Dobie

“Your whites should be like pearls, containing many beautiful colors and yet remaining white.”

“Keying your whites can make the difference between a watercolor with an ordinary light-dark contrast and a watercolor that develops a glowing contrast.”

“When I ask students, ‘What is the strongest element in a painting?’ the usual responses are: spontaneity, technical control, a strong dark design. While these are desirable qualities, my students seldom think of the simplest element of all – leaving the white paper white.”

“If the viewer’s eye is drawn first to the light areas of a painting, shouldn’t the artist develop the white shapes into something distinctive?

“…For the untouched white paper to be the strongest elements in a painting, I stress the idea of working with unpainted shapes from the beginning.”

Charles Reid in Watercolor Secrets has this to say

Sketchbooks taught me about the importance of time (actually the lack of it) needed to make a good drawing or painting while working on the spot. I learned that I didn’t have time for sketching with searching lines; I needed a single, carefully considered contour line to capture my subject or scene. Slowly my drawing improved. I started painting in sketchbooks in the late 1970’s, suing the same light drawing paper, and found that I couldn’t correct or use overwashes on fragile sketchbook paper.

This changed my approach to all of my watercolor painting. Even when I paint with heavier watercolor paper, I strive for the correct tonal-value with my first try. I don’t always manage a finish with my fist try but it’s always my goal.

Strive for the correct tonal value from the start

I painted this series of watercolors on Strathmore Aquarius II 80 lb. paper. This paper is soft and does not accept corrections well, if at all. Paradoxically that is one reason why I like the paper. I strive for the correct value from the start like Charles Reid and never think of “correcting”. For me, a painting either works or it doesn’t. It is only a sheet of paper and modifying the original washes makes the watercolor loose its freshness. I prefer starting over. Also, like Charles Reid, I sometimes paint in ordinary fragile paper sketchbooks. As a matter of fact, some of the watercolors painted by Yvon Masse and myself which were reproduced in our latest book “Carnets du Vieux-Montréal” were painted on ordinary paper, not on watercolor paper.

NOTE: Two of the five posted paintings were done on site at Camp Kinkora located near Montreal. The other three were worked in the studio using elements from these and from sketches done outdoors. I did not use any photo references for this series since I had plenty of information and I am also very familiar with the site.

Raynald Murphy sca

JE DESSINE LE PERSONNAGE SUR LE MOTIF – J’en fais à la tonne, et je crois m’améliorer petit à petit

2012-01-03T17:47:00.007-05:00

Lorsque je quitte la maison j’apporte toujours un carnet et quelques crayons et stylos afin d’être prêt à dessiner en toutes occasions.

J’aime croquer tous genres de sujets, mais c’est le dessin du personnage qui m’attire beaucoup parce qu’il présente un certain défi.

Dessiner le personnage avec une certaine précision sans exagérer aucune partie du corps semble parfois difficile pour le débutant. L’exactitude des proportions est possible lorsqu’on en fait en quantité et avec passion.

On peut tricher lorsqu’on dessine un arbre ou même un bâtiment mais c’est plus difficile avec l’être humain.

La raison en est que la plupart des gens ont une bonne connaissance des proportions des membres du corps humain et perçoivent immédiatement la moindre erreur.

Donc, on ne peut guère s’éloigner des standards sans que notre personnage ne semble disproportionné.

Je dessine souvent le personnage lorsque je voyage en métro ou en attente sur la plateforme.

Je dessine ces temps-ci dans un carnet à couverture rigide de la marque Cachet par Daler Rowney, format 20 cm x 13 cm. Le papier teinté crème me permet d’ajouter du blanc avec un crayon de cire de la marque Prismacolor afin de rendre la valeur plus pâle.

Pour rendre les valeurs plus foncées j’utilise une variété de crayons : le crayon graphite, les crayons de cire ou même des stylos-feutres à pointe mince ou larges. Comme bien des choses, on s’habitue aux inconvénients du mouvement du wagon lorsqu’on dessine souvent. Lors de l’arrêt du train en station, les quelques secondes où la rame est immobile permettent de dessiner les formes principales des victimes.

Les formes initiales, surtout les contours, sont souvent faits avec un marqueur feutre noir. Ceci m’incite à me concentrer d’avantage car le stylo permanent ne pardonne pas. Il y a une centaine de pages dans mon carnet, donc je n’ai pas à m’inquiéter si je fais une erreur. J’en commence un nouveau à côté du premier. De toute façon, je dessine pour mon plaisir sans penser à la publication. Comme pour la musique, ces croquis sont mes gammes et non le concert.

Si le temps me le permet, j’ajoute tout de suite les valeurs à mes premiers contours. Mais si trop de gens m’entourent, je reviens sur mes dessins plus tard. Le refuge d’un resto-café est aussi un endroit que je privilégie pour les compléter.

Par contre, je préfère ne pas toujours remplir, colorier ou ajouter au dessin initial. Souvent j’aime mieux laisser la ligne définir la forme par elle-même. Certains traits par leur caractère initial soit minces ou épais décrivent déjà le personnage.

C’est l’action et le processus du dessin qui me passionnent. Je tente de saisir une tranche d’un moment vécu et de le transcrire sur papier à ma façon.

Bref, on s’améliore et on arrive à une calligraphie personnelle en dessinant souvent sur le motif. Il n’y a pas de raccourci.

En ce début d’année 2012, pourquoi ne pas se donner le mandat et le plaisir de dessiner le personnage pour soi-même, et de le faire le plus souvent que possible?

Je vous promets des résultats surprenants si vous persistez.

Raynald Murphy sca

PAINTING THE LYRIC THEATRE SINGERS – Noël à la Salle Tudor 2011, Ogilvy

2011-12-07T23:04:00.012-05:00

Good sight lines make a difference

I was invited to paint at the 2011 annual Lyric Theatre Singers’ Christmas Concert. I had a clear view of the performers and musicians because I was reserved a seat. I painted two watercolors per show, one before the intermission and one after. Each took about 30-40 minutes.

Choice of Paper

I worked on Strathmore Aquarius II 80lb watercolor paper cut to 8 ½ by 22. These were folded in half lengthwise. This gave me the option of working on the elongated format or on the folded half. An A4 paper fits right onto the scanner bed. Moreover, the white paper of a scanned image will remain white when printed while a digitally photographed image renders the whites a pale blue-grey. It is possible to Photoshop the photographed digital image to eliminate the blue tint but this requires some expertise and is time consuming. Working small at concerts is more discrete and less distracting.

My Painting Setup

Usually I rest my corrugated plastic support board on my knees. I clip my paper to it. Sometimes, I attach the board on to a camera tripod. Then I slip a small round standard oil painter aluminum container (1/2 in diameter) onto a corner of the board. In the metal tray I insert a slightly smaller round plastic water container bought at the outdoor sports store La Cordée. I paint with two Kolinsky hair travel brushes. I use the smallest portable watercolor kit I own, the 8 color Windsor & Newton traveling kit found at Avenue des Arts on Victoria Ave. in Westmount. It has a convenient finger insert ring underneath and measures only 3 by 5 inches when opened. Holding this in my left hand along with a small paper towel I can support the 9 by 12 in. light plastic support with the same left hand.

My Planning Strategy at Concerts

Once the performers are on stage I spend two or three minutes observing and analyzing before putting a mark on my sheet. During this precious time I plan mentally the composition; where the main characters will be placed; the limits of the drawing and especially what I intend to include and to omit. I first draw the bones of the main performer and furniture. I will draw more precisely the contour of the foreground figures but I will only indicate the secondary ones with a summary line. The drawing takes about five minutes.

The Painting Phase

All the skin tones are put in first since these tend to be the lightest tones. While these heads, necks and arms are still partly humid I tint these further to indicate hair and shadow. I attempt to leave the figures further back diffused and less defined. I work much the same way with the clothing by adding lighter more diffused color to those in the background. The shapes, figures, instruments and furniture in the foreground are painted darker and hard edged. Background color is added next in a loose diffused manner stopping just short of the contour of the figures. I attempt to harmonize the background color with the remainder of the scene. When painting a complex scene often less is more. By this I mean that I try to limit my range of colors to a few complementary colors and a couple of cool colors.

A Note about the Lyric Singers

The Montreal based choral group has a long history. Other than performing its annual Christmas Concert at Ogilvy, the director Bob Bachelor leads the signers in stage performances in the spring and at other benefit concerts. In the spring of 2012 the troupe will put on the full Broadway show Curtains between May 31 and June 9. For more information visit their web site. Experience a wonderful evening of choral music by attending their next performance if you have not done so yet! And if you missed the Sing Noël Christmas Concert at Tudor Hall, you can attend the same show at the Rialto Théatre, 5723 ave. du Parc, Sunday December 11^th at 2:00 pm.

Raynald Murphy sca

Note: Be sure to read Marilynn Vanderstaay's review about the Lyric Theratre Singers on
The Westmount Examiner's next publication.

CARNETS D’AVION – Le dessin en voyage avec AIR FRANCE

2011-12-02T16:05:00.005-05:00

Certains trouvent le voyage en avion long et ennuyant. Personnellement voyager me plaît particulièrement parce que j’en profite pour dessiner des sujets inhabituels. Afin d’augmenter le plaisir en voyage il s’agit d’apporter en cabine du matériel de petit format pour dessiner et même peindre.

À l’aéroport

Lorsque vous êtes dans la salle d’embarcation pourquoi ne pas dessiner discrètement les passagers assis. Parce qu’ils sont plutôt immobiles vous aurez même le temps d’ajouter de l’aquarelle à votre croquis. J’ai peint ces passagers dans la salle d’attente à l’aéroport Pierre Trudeau à Montréal sur du papier Stratmore Aquarius II format 20cm x 28 cm.

Aquarelle à partir de la fenêtre

La chance était de mon côté parce que j’étais assis près du hublot. J’ai saisi l’occasion pour dessiner quelques avions sur le tarmac de l’aéroport Charles de Gaulle. Le contraste du blanc de l’avion contre un ciel bleuté et les couleurs bleu, blanc et rouge des appareils m’ont inspiré.

Peindre un passager endormi

J’ai peint discrètement le portrait du passager assis tout près. Son profil contrastait clairement devant un arrière-plan plutôt gris. Au matin je lui ai montré le dessin de lui et ai promis de le lui envoyer par courriel. Il était ravi.

Une perspective inhabituelle en regardant par la fenêtre

Rares sont les moments où nous avons une vue d’un paysage d’une telle hauteur. L’avion nous offre cette « gâterie». Quelques couleurs pigées de mon petit ‘kit’ Windsor et Newton et la suggestion du rebord du hublot nous situe au-dessus d’une rive de la mer Méditerranéen.

Les engins un et deux

J’ai été ému en peignant les moteurs gigantesques de l’appareil qui nous transportait. J’ai observé le mécanisme complexe de ces engins se transformer lors du décollage tout en les dessinant avec un crayon feutre noir pointe 03 de marque Prismacolor ainsi qu’un pinceau réservoir encre de Chine GFKP de marque Pentel. J’ai ensuite ajouté la couleur avec un pinceau réservoir.

Une scène inhabituelle

En attente sur le tarmac j’ai pu dessiner au crayon feutre pointe 03 de marque Prismacolor l’avion en face dans lequel on chargeait les bagages. C’était une occasion privilégiée à ne pas manquer. J’ai rendu les valeurs par des hachures.

Études au crayon graphite

J’ai saisi ici le moment opportun pour faire le portrait d’un passager endormi, des profils et des mains entrelacées dans un cahier format A4 marque Daler Rowney Cachet.

Le dessin d’un lecteur

Avant d’aborder ce dessin d’une personne assise très près je l’ai observée pendant quelques minutes afin de juger si elle allait demeurer immobile assez longtemps pour faire une étude prolongée. Comme elle lisait elle n’a pas bougé, donc j’ai pu facilement faire son dessin au crayon graphite 2B. J’ai aussi ajouté l’étude d’une main d’un passager sur la même page.

Dessiner dans un cahier au papier coloré

Ce genre de cahier de marque Daler Rowney Cachet tinté beige/ocre me permet d’ajouter au crayon Prismacolor du blanc avec le crayon de cire de la même marque pour rendre les formes plus pâles. Le format 22cm par 14cm de ce cahier se transporte facilement dans l’avion sans être trop encombrant.

Dessiner le service du lunch

Le défi ici est de dessiner un personnage en mouvement. Je dessine sommairement les contours du corps avant qu’il ne bouge et je reviens plus tard ajouter les valeurs.

Le dessin de mes outils

J’ai dessiné à l’aquarelle les outils qui mon servi pendant mes trois semaines en Europe. J’ai placé ceux-ci sur la petite tablette devant moi afin de les observer. L’étui de douze pastilles d’aquarelles de marque Windsor et Newton ne mesure que 6 cm par 8 cm. Un anneau lié en dessus sert à le retenir par un doigt. Un petit contenant d’eau en plastique de 4 cm de diamètre était suffisant pour le travail sur des feuilles 20 cm par 28 cm. J’ai aussi travaillé avec quelques pinceaux de type voyage où la section poil se referme dans le manche comme un stylo.

Ne partez pas en voyage sans vos crayons et carnets

La prochaine fois que vous voyagerez en avion pourquoi ne pas apporter avec vous dans la cabine quelques outils de dessin ou même un petit ensemble de pastilles d’aquarelle. Faites ces dessins, très simples ou plus complexes, selon votre niveau d’expertise pour le simple plaisir d’observer et de vous amuser. Vous verrez au retour chez vous que ces souvenirs croqués resteront marqués dans votre mémoire non seulement parce que vous aurez observé intensément mais parce que vous aurez fait des marques sur le papier. Ce seront des souvenirs plus précieux, j’ose dire, que des centaines de photos de voyage.

Raynald Murphy sca

Old Montreal as seen by two artists – Carnets du Vieux Montréal; an illustrated tour of Old Montreal

2011-11-17T14:53:00.013-05:00

How the book Carnets du Vieux-Montréal evolved

Over the past four years, my friend Yvon and I often sketched together outdoors in Old Montreal. After a drawing session he would post his sketches and historical notes on his blog. My Old Montreal watercolors would also at times appear on my blog site. Over a few years we both had accumulated a large file of drawings and watercolors. He had researched the history of the region extensively. One day while chatting over coffee we decided to suggest to the editor of Les Heures Bleues to publish our vision of Old Montreal.

Our table top book, the Carnets …

A carnet is a French term with the dictionary equivalent of ‘notebook’ which in English carries the connotation of notes one writes in a blank or ruled book. However, in the book-publishing milieu the French term Carnets de … can include more than just written notes; it can also contain drawings, sketches, paintings and/or photos along with hand-written text. The closest English equivalent terminology I can think of is ‘A Picture and Word Journal’. Therefore, the Carnets … or Journal … as a tabletop book can present varied themes such as: Carnets du Cirque or Carnets d’automobile. The Carnets can illustrate a town, a region or a city such as: Carnets de Paris or Carnets de Montréal for example.

How the book is organized

The editor of Les Heures Bleues approved our project and determined the deadline. We organized the book as simulated walking tours which we called Randonnées. There are four of these: Place Vauquelin, Palais de Justice, Place d’Armes and Hors Circuit (sites outside Old Montreal boundaries). Between 144 pages there are 77 numerically identified historical stops with notes. Watercolors, drawings and text are pleasantly interwoven in a table top soft cover format.

A word about the watercolors and drawings

Almost all the watercolors in the book were painted on site. Sometimes I added color later. However, as the May 1^st 2011 deadline approached, we noticed that I had not yet painted certain important scenes. I could not wait for warmer weather to do so comfortably, so I often donned gloves, tuque and warm boots and sketched outdoors between January and April. My water colors would have frozen had I added color outside so I sometimes found the closest coffee shop after having sketched to warm up and add the color. Although working on site is sometimes uncomfortable, both Yvon and I feel that there is no better way to capture the feeling and sense of a scene rather than using photo references exclusively.

The text and organization of the material

I cannot praise enough my friend Yvon’s organizational skills not to mention the countless hours he spent researching the history of Old Montreal while I amused myself drawing or painting in the Old Town – a much more pleasant task than his. He wrote all the text, combined these with the images and finalized the all the last minute details while I was vacationing in Europe in October. We hope you will enjoy touring Old Montreal through our artist’s eyes. We will be signing our book at the Salon du Livre in Place Bonaventure November 19^th and 20^th between 1pm and 3pm. The Montreal book show is on between the 16^th and 21^st.

Hoping to see you at the Salon,

Raynald Murphy and Yvon Masse

Note: To purchase a copy of the book click here or contact one of the authors.

Carnets du Vieux Montréal – Deux passionnés du plein air vous offrent leur vision

2011-11-12T21:57:00.013-05:00

Après un travail de quatre ans, mon ami Yvon Masse et moi sommes heureux de vous offrir le Carnets du Vieux-Montréal, Éditions Les Heures Bleues. Le lancement officiel du livre aura lieu au Salon du Livre de Montréal du 16 au 21 novembre à la Place Bonaventure de Montréal. Nous nous ferons un plaisir de dédicacer ce livre rempli d’aquarelles et de dessins de 147 pages au kiosque DIMEDIA les 19 et 20 novembre entre 13h et 15h.

En 2007 j’avais illustré Carnets de Montréal de A à Z … en mots et en images de la même maison d’édition, en collaboration avec François Barcelo, écrivain. Suite à sa parution en avril de la même année, j’ai continué à croquer et à peindre surtout le secteur du Vieux Montréal. Mon ami Yvon m’accompagnait assez souvent et on dessinait ensemble un aspect du patrimoine. Un jour, au café, est venue l’idée du Carnets du Vieux Montréal avec un aspect historique et de nombreuses illustrations. Yvon, que l’histoire a toujours intéressé avait déjà commencé pour son plaisir personnel à chercher l’historique des lieux et édifices anciens du Vieux-Montréal. Mes aquarelles et dessins s’ajouteraient donc à son écrit et à ses croquis parfois colorés à l’aquarelle.

Avant de présenter notre projet à la maison d’édition Les Heures Bleues nous avons décidé d’un plan. Le Carnets serait diviser en quatre randonnés : Place Vauquelin, Palais de Justice, place d’Armes et certains édifices Hors Circuit. C’est alors que Les Heures Bleues acceptèrent notre dessein. En élaborant et en ajoutant au fur et à mesure des lieux pertinents, nous sommes arrivés à 77 sites qui illustrent et décrivent en sommaire le patrimoine du Vieux Montréal.

Yvon et moi avons ensuite numériser nos dessins et aquarelles. En se servant du programme Excel de Word, Yvon a commencé à placer dans un ordre déterminé les textes et les images. Après une deuxième rencontre chez l’éditeur pour une mise à jour de notre projet, nous avons pu déterminer ce qui nous manquait. Parce que nous étions en hiver et que la date de tombée fixée en mai approchait, j’ai dû, à défaut de temps, peindre certains lieux au cœur de l’hiver ou presque avec mains gantés et tuque sur la tête … dehors. J’ai par nécessité découvert presque tous les restos-café du Vieux Montréal où je me refugiai au chaud pour ajouter les touches de couleur à mes dessins coqués sur le motif!

Vers la fin de l’été nous avons reçu les premières épreuves par Internet. Les ajustements ont commencé. J’étais en voyage en Europe en octobre lorsque les derniers ajouts et décisions ont été pris par mon compétant ami, Yvon. J’ai eu en main le livre le 7 novembre. Depuis ce jour je n’ai eu que des accolades des gens qui ont feuilleté le Carnets du Vieux-Montréal. Nous espérons que vous aurez autant de plaisir à admirer les œuvres et à découvrir l’historique de Montréal que nous avons eu à le créer!

Au plaisir de se rencontrer au Salon du Livre à Montréal.

Raynald Murphy et Yvon Masse

SKETCHING PEOPLE AT AN EVENT – Drawing at Camp Kinkora’s 85th anniversary celebration

2011-09-06T15:16:00.005-04:00

Keep your sketching equipment simple when drawing people

I knew that there would be hundreds of people at the anniversary celebration I was to attend. I also realized that I would be moving from one location to another drawing as quickly as possible whomever and whatever I could. I sat or stood wherever I could with sketchbook in hand. This was not the time to use a complicated array of materials. Simple meant: graphite pencils (HB, 2B, 4B, 6B), a 03 point felt marker (Prismacolor) and an 8 ½” x 11” DALER ROWNEY SOHO open flat (80 sheet) light sketchbook.

1. Start somewhere in the middle, draw the head first

When I draw people in a crowd I usually select a person who is standing or sitting still. I immediately do an accurate contour drawing of his or her head. This shape determines the relative scale of the rest of the scene including the size of the other figures. The heads shapes in the foreground will be larger and those recessed will be proportionately smaller and less detailed.

2. Compose and design, don’t just draw isolated people

At an event people are interacting. It is the ideal time to “catch” and draw people in action, facing each other, looking away, holding hands for example or in an embrace. If you see a musician or singer, draw him or her. Usually they stand pretty still.

3. Integrate or suggest the location

In the lower portion of page 3, I integrated an arched doorway in the design leading towards the figure. This darker doorway shape contrasts against the white robe of the figure in front of it and the white table cloth. There are repeated echoes of the arched shape in the figure and the dish on the table.

4. Quickly learn to identify potentially still subjects

In the bottom left section of page 4, I was able to render rather easily two people because I assumed that they would be in a state of repose for a while due to the placement of their arms. Usually someone who crosses one’s arms or rests one’s head on one’s arms will remain in that position for at least a few minutes.

5. If possible create “lead into” forms

In sketch no 5 I am leading the viewer into the scene through the stem of the guitar at right, also via the arm of the foreground figure at left and by the oblique fold of the corner of the table cloth near his hand. The arch of the doorway also leads us to the main figure. Finally, his hand leads us back to the center of the scene.

6. Identify geometric shapes and arrange them to create your design

In the drawing on page 6 I contrasted the “ovals”, spheres and arcs and the foreground shapes against the strait edged shapes of the houses and cabins in the background. The foreground spheres of the heads, for example, stand out sharply against the triangular and rectangular shapes behind them.

7. Use dark contrast whenever possible

Daumier was a master at the skilful use of light against dark in his drawings. I have used here a similar technique by rendering the middle row of people with an India ink brush pen. My intention was to indicate the time of day, early evening or dusk.

8. Ink and graphite work well together depending on …

I first sketched the main outline of the scene of page 8 using a fine tip felt pen (03). Then I rendered the intermediate values using HB through 6B graphite pencils. Finally, using the brush ink pen I added black highlights at strategic points. It is tempting in a complex scene such as this to say too much. Sometimes more is said by what is left out.

The next time you are invited to a celebration, bring along your sketch book and pencils to record the event discretely. I promise you will enjoy and remember it much more.

Raynald Murphy sca

About Camp Kinkora

At the anniversary celebration Fr. John Walsh, who is know for his talk show on CJAD, had some very meaningful words to share with us. I will quote parts of his talk.

“…thousands and thousands of children benefit from Camp. Kids who never could appreciate life learned about the joys of life, kids who found it hard to get along with others learned the strength of team work, kids whose parents were not reliable role models found role models in councilors and directors at Kinkora, and many who had no meaning in life found meaning and stayed close to the camp and became CITs (Councilors In Training) and then Councilors…

… An exasperated mother, whose son was always getting into mischief, finally asked him, “How do you expect to get into Heaven?”The boy thought it over and said, “Well, I’ll just run in and out and in and out and keep slamming the door until St. Peter says ‘For Heaven’s sake, Jimmy, come in or stay out!’”

… Camp is a time of education being led out of ignorance and this will be a great challenge for all of us in the years to come. Back into the future … we need to listen to others more than ever. No wonder we have two ears and one mouth… listen twice as much as we speak. And listen everywhere. Lady Gaga says:

"It doesn't matter if you love him, or capital H-I-M
Just put your paws up
Because you were born this way, baby

My mama told me when I was young
We are all born superstars

She rolled my hair and put my lipstick on
In the glass of her boudoir

"There's nothing wrong with loving who you are"
She said, "Because he made you perfect, babe"

"So hold you head up girl and you'll go far
Listen to me when I say"

I'm beautiful in my way
Because God makes no mistakes
I'm on the right track baby
I was born this way

Don't hide yourself in regret
Just love yourself and you're set
I'm on the right track, baby
I was born this way

Give yourself prudence
And love your friends
Subway kid, rejoice your truth
In the religion of the insecure

I must be myself, respect my youth
Just be a queen
Whether you're broke or evergreen
You're black, white, beige, chola descent

You're Lebanese, you're Orient
Whether life's disabilities

Left you outcast, bullied, or teased
Rejoice and love yourself today
Because baby, you were born this way

No matter gay, straight, or bi,
Lesbian, transgendered life
I'm on the right track, baby
I was born to survive

No matter black, white or beige
Chola or Orient made
I'm on the right track, baby
I was born to be brave

I'm beautiful in my way
Because God makes no mistakes
I'm on the right track, baby
I was born this way"

This is what camp accomplished more than anything else, it gave you your individuality and enabled you to grow into the Person God intended you to be…”

Thank you, John, for these timely reminders.

LE DESSIN AU CRAYON GRAPHITE – Un atelier de dessin en plein air en Abitibi, Québec

2011-08-03T17:28:00.009-04:00

Atelier à Palmarolle du 4 au 8 juillet

Au début de juillet à l’École Beaux-Arts Rosa-Bonheur à Palmarolle, Québec, j’ai dirigé un atelier de Dessin et Aquarelle en Carnets d’Artistes. Nous avons dessiné cette pittoresque région pendant cinq jours en utilisant divers outils, médiums et stratégies. Une courte discussion suivait chaque exercice et j’ajoutais quelques commentaires pertinents sur la page de mon carnet. Je vous présente ces exercices faites au graphite en espérant qu’ils vous motiveront à poursuivre votre propre démarche.

It is not necessary to “say” or draw everything. Leave some parts undefined in order to involve the observer.

The “Capitan” of the riverboat posed for us. Notice the direction of the light – left to right indicated by the values especially on the face and the uniform.

Create a path or entrance to lead us into the drawing, a road, for example.

A drawing can be reduced to four values - white, black and two intermediate values. This simplifies the “reading” of the sketch.

Notice here the variety of the pencil line. Some, for example, are faint while other lines are more intense. A line can also be deliberate or fanciful, for example. By changing its direction one can suggest the “flow” of the foliage, for example.

When drawing clothing in a close-up figure it is a good idea to indicate fold lines in the cloth. These will suggest stress or force.

Depending on the direction of the light “lose” the line here and there where the sun meets the figure. Accentuate the line darkly in shadow areas away from the light.

A figure either standing or seated should “feel” stable. Through close observation and good drawing make us “feel” stability in your figure drawings.

When drawing a profile view of a face in shadow, shade it evenly right up to the edge in order to clearly define the contour of the face. Otherwise, it will be difficult to “read” the facial contour shape.

Some drawings, especially subjects found in close up nature, are better started in the middle. Let your drawing evolve outwards and fame it with a pencil line after completion.

Always think shape and value when drawing. It is also permitted to let your drawing “overflow” its borders.

Réflexions d’un participant

« Ce que j’ai retenu de plus important, au cours de la semaine qu’on a passé ensemble, à croquer le motif, c’est que : Jamais une photographie n’apportera la compréhension du réel qui nous entoure, avec la même intensité que la réalité le fera elle-même. Je pense que c’est probablement parce que l’émotion que peu déclencher une photographie n’est qu’un vague souvenir de l’émotion réelle vécue. »

Pierre Legendre

Le dessin en plein air

Il me fera plaisir de diriger un atelier semblable dans votre région. Vous pouvez communiquer avec moi via mon adresse courriel : raynaldmurphy@yahoo.com.

Raynald Murphy scahttp://www.bonjourquebec.com/qc-fr/abitibi.html

FOOD COURT SKETCHES – Where to draw on a rainy day

2011-07-22T07:06:00.003-04:00

A rainy day drawing venue

A few weeks ago I was feeling down because a sequence of rainy days was preventing me from my usual plein air sketching and painting. Because my weekly life drawing and portrait sessions were postponed until the fall I was looking for a venue where I could draw and keep up my practice. Then, it occurred to me that after a few minutes drive to the local mall I would find plenty of drawing material there.

My equipment

I decided to draw in a Daler Rowney CACHET 5 in x 7 in toned paper sketch book. I brought with me some Derwent Drawing pencils –Ivory black no 6700, Venetian Red no 63 and the Derwent Colorsoft Pimento C540.

Food court at a mall an ideal spot

I found a seat not far from a group of seniors chatting at a food court. These were great subjects to draw. When one moved, I started to draw another and so on.

Drawing card players is another option

Moving to another part of the food court I found another group, this time younger, of subjects to draw – card players. Because card players are intent in their game they are also good subjects to sketch.

Drawing a couple of friends or lovers talking

My final drawing venue was at a section where two friends were intently talking to each other. Here the advantage is that they will usually maintain the same head position making it easier to capture likeness and detail.

Bad weather is no excuse not to draw

Other subjects that can be drawn in bad weather are things around the house. You might even ask your partner to pose for you. Then, look out the window and draw what is there. Hop in your car and draw what is out the window. Take the subway if you live in a large city and draw there. These are but a few of the possibilities and I am sure you can find many more. The hardest part is to pick up pencil or pen and paper and get out of the house. The rest is pure joy. The sunshine will be within.

Raynald Murphy sca

LE DESSIN ET LA PEINTURE SUR LE MOTIF – Les avantages du travail en plein air en ville

2011-06-25T12:52:00.003-04:00

Peindre sur le motif en ville

Je peins régulièrement sur le motif en ville. Je ne m’attends pas à créer un chef-d’œuvre surtout en une demi-heure plus ou moins. Je travaille souvent sur une feuille de 10 par 13 pouces (25 x 32 cm). J’utilise un crayon HB ou 2B ou un stylo feutre à pointe mince pour le dessin. J’ajoute de la couleur à l’aquarelle et parfois quelques touches de gouache. Si je suis à court de temps ou à cause des intempéries, j’ajoute alors la couleur en studio de mémoire ou à l’aide de ma photo.

Mon but

Mon objectif premier est le plaisir de créer. Je n’ai aucune commande précise lorsque je cherche une scène à peindre. Je me promène dans les rues à la recherche d’un jeu de lumière, de formes intéressantes ou d’un sujet attrayant. C’est difficile de définir ce qui me fait arrêter et choisir une telle scène à peindre. Certes, l’émotion joue son rôle. Mais, parfois la composition se concrétise une fois assis et après une courte observation visuelle de ce qui m’entoure.

Le cheval Capitaine Bob

Un jour, après avoir peins deux autres scènes je me retourne et j’aperçois le cheval Capitaine Bob et la calèche. Sa forme brune éclairée devant un arrière-plan gris-bleu sombre m’attire immédiatement. C’est lui qui sera le sujet principal. L’édifice derrière est trop complexe pour le rendre de façon détaillé tel qu’on l’aperçoit dans la photo. Je dessine d’abord le cheval avant qu’il ne quitte ou ne bouge trop. J’ajoute ensuite les éléments statiques.

Je choisis, puis je compose

En comparant mon œuvre et la photo vous pouvez voir ce que j’ai choisi de rendre et ce que j’ai décidé d’éliminer dans mon œuvre. Je suis convaincu que si j’avais peins l’aquarelle en studio à partir uniquement de cette photo le résultat aurait été très différent. Lorsqu’on dessine sur le motif on doit simplifier, choisir rapidement et ne communiquer que l’essentiel. Le geste spontané souvent inachevé communique autant l’émotion.

Le travail uniquement d’après photo

Il est souvent très difficile d’éliminer et de ne choisir que l’essentiel lorsqu’on travaille uniquement avec des photos surtout si on n’a pas l’expérience du plein air. C’est pour cette raison qu’une œuvre techniquement bien rendue en studio à partir de photos ressemble malheureusement trop souvent à la photo. Par exemple, si vous comparez la photo à mon œuvre vous remarquerez que les contrastes sont plus prononcés et variés dans l’aquarelle. C’est très difficile d’inventer cette impression en studio. C’est presque impossible, oserais-je dire. L’œil, l’instrument du cerveau, ne perçoit pas de la même façon que l’appareil photo.

Le « focus »

Lorsque je peins sur le motif je choisi parfois de mettre au point certains éléments et de rendre plus flou le reste. Le cheval, une partie de la calèche et le les feux de circulation sont les sujets principaux. Ils sont rendus plus clairs et définis.Le reste de la scène est moins précis et moins détaillé. La photo, contrairement à l’œil, capte tout. Elle ne sait pas choisir. De plus, tout semble être sur le même plan. On ressent moins de profondeur dans la photo comparativement à mon œuvre. Pour augmenter ce sens de profondeur j’ai choisi de placer les couleurs chaudes, soit le brun et le rouge à l’avant plan parce qu’optiquement les couleurs chaudes avancent. Les gris-bleues de l’arrière-plan semblent s’éloigner.

Les contrastes

Normalement ce qui est plus foncé semble se placer à l’avant-plan et le flou à l’arrière. Les détails sont plus perceptifs près de nous et ce qui est moins précis est réservé pour les plans au loin. Par exemple, l’attelage du cheval et une partie de la calèche sont dessinés et rendus avec plus de précision. Le poteau et les feux de signalisation sont aussi très déterminés et nets.

Cet été je vous invite à venir en ville dessiner et peindre

Je me sens toujours très seul lorsque je peins en ville à Montréal. À l’exception de quelques bons amis qui m’accompagnent je ne rencontre jamais d’autres artistes, ou très très rarement. Où sont-ils ces artistes qui peignent les scènes de ville de Montréal qu’on voit dans les vitrines? Seraient-ils en studio à travailler à partir de photos? Avons-nous oublié l’invitation des impressionnistes de sortir pour aller étudier la nature sur le motif?

Raynald Murphy sca

NOTE : Du 4 au 8 juillet, je serai à Parmarolle en Abitibi, Québec où je donnerai un atelier plein air « Aquarelle en carnet d’artistes ». Visitez http://www.rosabonheur.com/ pour les informations.

DRAWING HANDS – Observe and practice drawing hands from life

2011-05-09T21:13:00.001-04:00

A drawing difficulty

Hands are difficult to draw. Look at paintings at art shows and even in Museums or Galleries. You will soon discover that many figurative artists avoid drawing or painting hands. Why? Because an error made in drawing a hand is usually very evident.

How to books

Most ‘How to’ drawing books illustrate and teach how to draw hands. Personally, I have rarely found art instruction books on this topic helpful. However, looking through art books at illustrations of masters such as Rembrandt, Degas or Daumier has helped me improve my understanding of hands. Also, when visiting a Museum I sometimes seek out portraits by the masters and copy hands drawn by them.

In the subway hands are visible

The subway I find is the ideal place to study and draw hands. Most riders keep their hands relatively immobile. Another place to study hands is at a library. If I see a person using a hand held electronic gadget such as a cell phone or an i-pod I immediately try to draw the hand holding it. Why? Because I am assured that the person holding an i-pod or such will remain relatively immobile for a good while.

Observing what hands do

It is important to understand the position of the hand I am drawing. I sometimes try to mentally assume the same hand position myself as I draw to get the proper feel. Somehow, this seems to help. The view of hands clasping a book compared to hands folded into each other, hands resting on a lap or hands holding an object are all very different one from the other.

Observe the general shape first

I have found that the best way to draw hands accurately is to ignore the fingers. Think of the hand simply as a claw. First, render a studied contour of the general shape of the hand; then, subtly indicate the finger shapes. Paradoxically, if one attempts to draw fingers too defined the result does not look right. I think the reason for this is that we understand hands by their general shape and not by the position of individual fingers. We unconsciously observe hands often, so we know how hands should look. Therefore, when hands are not properly rendered we immediately notice it.

Indicate shape first, then the value and finally some detail

Drawing hands on toned paper has helped me to understand and render them convincingly. Using the paper as mid-tone all I must deal with are light and dark. The mid-tone color unifies the drawing shapes. Hands drawn only in contour without an indication of light and shade don’t seem as convincing as ones drawn where volume is suggested.

Fingers

Again paradoxically, I have found that whenever I attempt to draw fingers too precisely rather than to suggest them the hand shape seems broken up and the drawing does not look and feel right. Here, less is more. The exception is the thumb. If you can draw the shape of the thumb correctly in relation to the rest of the hand, then suggest the rest.

Practice, practice and practice

There is no shortcut to gaining competence in drawing hands correctly. I would suggest more time be spent actually drawing hands and less trying to gain anatomical information about hands. Too much analytical thinking will only serve to convince you that hands are too difficult to draw and you will start to avoid them. Another suggestion is to vary your tools and paper. Finally, draw, draw and draw some more hands…especially in the subway.

Finally, once you have put your pencil back in your pocket or purse give someone a helping hand if they need it.

Raynald Murphy sca

VOILIER AU REPOS - Une démonstration à l'aquarelle

2011-04-22T15:24:00.003-04:00

Une démonstration en huit étapes – Cette démo vise à enseigner la manière de peindre à l'aquarelle des objets qui se reflètent sur l’eau. (Cette démonstration est publié dans le magazine l'aquarelliste au numéro d'avril. Pour vous abonner à la revue visitez http://www.aquarelle.ca/)

Le sujet est une scène que j’ai peinte il y a plusieurs années. Je crois que l’exercice est valable car le résultat vous indiquera si par exemple votre style, votre approche ou votre palette a changé. Le changement est souvent une marque d’évolution.

Étape 1
Je dessine les contours principaux au crayon HB sur un papier d’Arches, 140 livres, grain fin, format quart de feuille.

Étape 2

J’observe une séquence précise. Je commence d’abord par les sections en haut de la feuille et je termine par ce qui est réfléchi. Je mouille la feuille jusqu’à la ligne d’horizon. Je contourne les conifères, le voilier et le mat. Je dépose du Bleu de Cobalt et du Bleu Outremer Foncé dans cette section semi-humide. Les pigments s’entremêlent tout en laissant un peu de blanc paraître pour suggérer des nuages.

Étape 3

Je peins la montagne au loin d’un mélange de Bleu Outremer et d’Alizarine Cramoisie Permanent dans le lavis du ciel encore un peu humide. Ceci rend l’effet de montagnes floues au loin. Je contourne la voile et le voilier. La montagne plus près de nous est peinte avec des couleurs plus chaudes d’un mélange de bleu, de Terre de Sienne Brûlée et de Jaune Transparent de Schmincke. Les pigments s’entremêlent. Je les manipule le moins possible pour permettre la transparence des pigments. Je laisse sécher cette section avant d’aborder la prochaine étape.

Étape 4
Je peins ensuite les roches au bord de la rive ainsi que le chalet. La lumière parvenant de gauche, je laisse paraître le blanc du papier sur le côté gauche et sur le dessus de chaque roche. Elles sont peintes en combinant du Bleu Outremer et de la Terre de Sienne Brûlée. Avant que le dégradé des roches soit sec je tire un trait horizontal assez foncé à la base de chaque roche. Ces traits importants marquent la limite de l’eau contre la rive.

Étape 5

Sur la section sèche de droite je peins les conifères derrière le chalet, d’abord les arbres orangés et jaunes et ensuite ceux plus foncées. Ces conifères foncés verts et bleus-verts sont peints d’une combinaison de jaune, de brun et de bleu. Lors de cette étape j’utilise mon trainard pour peindre les troncs des arbres. Je laisse paraître quelques traits verticaux pour simuler des troncs de bouleaux.

Étape 6

Je peins maintenant le reflet du ciel dans le lac. J’utilise les mêmes pigments que ceux utilisés dans le ciel mais plus foncés et intenses. Le bleu de l’eau près de la montagne sera plus foncé que celui plus près de nous. Ceci ainsi que l’espacement varié des vagues blanches va traduire la perspective. Parce que la forme du bateau est assez simple j’opte de la réserver simplement en le contournant. Si sa forme avait été plus complexe j’aurais utilisé de la gomme réserve. Je contourne aussi les vagues blanches et le reflet du mat au lieu d’utiliser de la cache. Je n’aime pas l’effet tranchant et rigide de la gomme réserve. Je préfère réserver en contournant autant que possible. Je sèche bien le tout avant de continuer.

Étape 7

A cette étape j’applique un lavis par-dessus le précédent. Celui-ci représente le reflet des montagnes, des conifères, du chalet, des roches et du voilier. Je peux inventer, mais il y a certaines constantes en nature qu’il faut quand-même respecter. En général le coloris de tout ce qui se reflète dans l’eau n’est pas aussi intense que la matière reflétée parce que l’eau contient des particules en suspension. L’humidité dans l’air et le moment de la journée peuvent aussi affecter la couleur de la scène. Si le ciel est d’une valeur pâle l’eau sera plus foncée et vice versa. La matière réfléchie apparaît toujours moins précise. Les blancs réfléchis sont souvent plutôt gris. Une verticale, comme par exemple le mât du bateau, se reflétera en forme de « S » car la surface de l’eau est rarement d’un calme plat.

Étape 8

Je peins maintenant le sujet principal, le voilier. Son coloris et ses valeurs dépendent des couleurs et des valeurs déjà posées jusqu’ici. C’est donc logique d’attendre jusqu’à maintenant pour le faire. Le blanc de la coque du bateau va absorber ou refléter les couleurs de son environnement. Donc je fais attention de ne pas introduire de la couleur ou une valeur qui ne se retrouve pas ailleurs dans le tableau. Parce que la coque du voilier a une courbe en forme de « V », je la peins d’un dégradé gris-bleu à partir du niveau de l’eau en allant vers son sommet car la base est à l’ombre.

Je peins le cordage du voilier à la gouache blanche avec un trainard. Afin de rendre certains éclats blancs pour décrire la lumière, je gratte le papier ici et là avec une lame et j’ajoute quelques touches de gouache blanche au besoin. Je le titre Voilier au repos.

Raynald Murphy sca

Atelier en Abibi, Québec: Du 4 au 8 juillet 2011, entre autre j'enseignerai à Parmarolle comment peindre des reflèts à un atelier plein air titré AQUARELLE EN CARNET D'ARTISTE. Visitez http://www.rosabonheur.com/ pour plus d'information et pour vous inscrire.

SKETCHING WHILE SOMEONE DRIVES – Four different drawing exercises explained

2011-02-10T16:02:00.003-05:00

“With the exception of the contour study, there is no drawing that is not a memory drawing because, no matter how slight the interval is form the time you look at the model until you look at your drawing or painting, you are memorizing what you have just seen.” Nicolaides in The Natural Way to Draw.

Keeping a sketch book in the car

I keep a 4 x 6 in. open flat sketch book handy in my car. I draw in it whenever I am parked and have idle time. I sketch whatever I see around me. I call these practice exercises. Sometimes when I leave the vehicle I carry it with me in case I have time to draw. I particularly like the open flat format because I can draw elongated scenes across the binding. This “car book” is filled with memories of my travels, some more sketchy than others. Often I jot the location, date and time of my drawings.

Drawing highway scenes while in the passenger seat

I used to find highway driving really boring until I discovered that I could sketch while in the passenger seat whenever someone else volunteered to drive. Recently, when returning to Montreal from a long drive, I had the occasion to try new “road drawing” exercises.

1. Drawing the highway, cars and landscape

The term “add-on” probably best describes the first type of exercise. Once I have drawn the limits of the road in perspective I “add on” elements to the scene. For example, in ink or pencil outline I draw the truck that we are following before it disappears. Then, I just “add on” information from another vehicle. I repeat the procedure for the scenery. I might add a tree from the left; a bill board and a guard rail from the right. Tone is incorporated next using various media. More contour lines will complete the drawing.

2. Rest stop sketches

This second type of drawing done at a rest stop might be a view out the window of the restaurant or of people in the restaurant. I might complete the drawing from memory later in the car.

4 Mini scenes done with a fat or chisel tip felt pen

This fourth exercise is better done in winter when the snow contrasts against objects. Using a marker I sketch in black against white. I sometimes add a middle value by dragging the side of the marker lightly over the paper. Compared to the previous exercise I observe more intently the chosen scene as it passes by. Once the main shape is sketched I invent what I think might be there. I spend more time on these than in the previous exercise since I depend more on my memory of mentally stored visual forms.

What originally had been just a long drive has now become a learning adventure

These fun exercises which develop the visual memory are better done along a strait stretch of highway. I invite you to try them on your next trip. You might become positively addicted as I am now.

Raynald Murphy sca

Note : Opens Flat! S'ouvre à Plat! sketch books are a product of Heinz Jordan & Co Ltd. Find them here.http://www.avenuedesarts.ca/

AQUARELLES PEINTES À PARTIR D’UN VÉHICULE – Peindre une série d’un même sujet

2011-02-03T17:13:00.007-05:00

Quand le froid de l’hiver m’empêche de travailler dehors en plein air je peins des petits formats à l’aquarelle à partir de l’abri et de la chaleur de ma voiture. Récemment, lors d’un séjour en Ontario j’ai peint onze scènes de campagne dans un bloc de papier Strathmore, série 400, grain fin, format 15.2 x 30.5 cm. Je n’ai utilisé que deux pinceaux, un Petit Gris d’Isabey et un en poil naturel. Pour les pigments j’ai choisi un étui style voyage contenant des pastilles d’aquarelle de marque Windsor et Newton.

J’espère que ces suggestions et commentaires vous motiveront à tenter l’expérience. Le confort, la solitude, la chaleur et la musique seront vos compagnons. Les scènes autour de votre voiture seront votre inspiration.

1. Grange au toit mauve et silo - Je dessine d’abord la scène avec un marqueur à trait fin, permanent, pointe (03), qualité archives, résistant à la lumière, de marque Prismacolor. Je préfère cet outil permanent au lieu d’un crayon car le marqueur me force à vraiment me concentrer et à ne dessiner que l’essentiel. La scène doit être bien dessinée la première fois car je ne peux pas effacer. Aussi, le marqueur n’abime pas le papier comme peut le faire le graphite surtout lorsqu’on revient effacer. Une fois la scène peinte et très sèche, j’ajoute parfois quelques traits calligraphiques avec le même marqueur à certains endroits afin de mieux définir certaines sections ou éléments.

2. Trois bâtiments aux cheminés – Je termine le dessin en cinq minutes plus ou moins et l’œuvre en une demi-heure. Je n’utilise jamais de gomme réserve pour conserver les blancs. Je préfère peindre autour des formes qui resteront blanches.

3. Grange à la porte verte – Je peins d’abord le ciel d’un mélange de Bleu Ultramarine ou de Bleu de Cobalt et de Terre de Sienne (ou d’Ombre) brulée. Parfois j’ajoute un soupçon de rouge, d’ocre ou de Terre de Sienne Naturel dans ce lavis. Le ciel est peint mouillé sur sec avec le pinceau Petit Gris. Je ne reviens jamais alterner ou modifier le lavis du ciel. J’accepte le premier résultat.

4. Clôture, maison à cheminée et garage rouge – Dans la section ciel je laisse les pigments s’entremêler jusqu’à temps que disparaisse l’aspect luisant. Puis, afin d’accélérer le séchage du papier je me sers du ventilateur de l’auto avant de peindre les autres formes.

5. Grange rouge et clôtures – En hiver par une journée semi ombragée et sans l’éclat de soleil on ne distingue que les masses et peu de détails. Donc, ceci m’influence à voir les valeurs chaudes ou froides plutôt que les couleurs et les détails. Je laisse paraître ici et là des éclats de blanc pour simuler la lumière.

6. Grange au trois ventilateurs – Le coloris de toutes ces scènes se résume plus ou moins à des tons de gris chauds ou froids. Je songe donc par intuition et par expérience de toujours juxtaposer un gris chaud à côté d’un plus froid. Pareillement je place une couleur chaude devant une froide ou vice-versa.

7. Deux silos et un hangar vert – Je ne reviens pas sur un lavis ou sur une section sèche afin de modifier. Pour arriver au placement juste du premier cout je me concentre intensément avant de placer la couleur. Donc, ce qui est peint est le produit final. Je n’ajuste pas en soulevant les pigments. Je préfère l’allure du premier geste sans modification.

8. Granges parmi le boisé – Pour faire paraître la neige blanche sur les toits je place souvent des arbres ou des tons plus foncés derrières ces formes non-peintes. S’ils ne sont pas dans la scène devant moi je les transpose ou je les invente.

9. Le camion bleu - Afin d’inviter le spectateur à entrer dans la scène visuellement par la gauche ou par la droite je place toujours une forme oblique ou en diagonale à l’avant plan. Ceci pourrait être par exemple un banc de neige, une clôture, un chemin ou même des buissons en ligne qu’on perçoit à travers de la neige.

10. Trois silos, grange et tracteur rouge – Afin de créer de la variété, de l’alternance et du mouvement à travers la scène je me permets parfois d’ajouter des fenêtres aux bâtiments. J’invente et j’ajoute aussi des éléments comme par exemple un tracteur ou un poteau.

11. Gros arbre devant la grange mauve - Pour représenter une masse d’arbres au loin il faut déposer le pigment foncé au bon moment dans le lavis du ciel mouillé pour traduire l’effet du flou entre le sommet des arbres et le ciel. Pour y arriver il faut pratiquer, pratiquer et encore pratiquer.

Ces onze aquarelles ont été peintes lors de trois sorties. Bonne peinture!

Raynald Murphy sca

Note : J’enseignerai un atelier de dessin/aquarelle plein air du 4 au 8 juillet à Palmarolle en Abitibi. Cliquez sur ce lien pour les détails. Ou contactez-moi.raynaldmurphy@hotmail.com

TEN NOVEL WAYS OF DRAWING – Be discrete and draw people anywhere in this unique “sketch book”.

2011-01-23T19:04:00.004-05:00

1. For a few cents or at most a dollar pick up a novel at a used book store.

2. Open it up at any page, pick up a drawing tool and start sketching right across the print.

3. This “sketch book” is perfect for drawing people because the unaware "model" will assume that you are reading.

4. After trial and error I found that a roller ball pen flowed well over the paper of the book I had chosen, better than a felt tip pen. I use it to indicate the contours of my figures.

5. Because a contour drawing remains just that, a contour, I use a color pencil for the flesh tones (face and hands).

6. For the darker values I realized that the newsprint sheets of the pages I drew across accepted the Ivory Black no 6700 Derwent Drawing pencil better than graphite. But you will have to experiment yourself to see what suits you best depending on the “type” of page you draw across.

7. Once upon a time ... I found a seat in a bookstore, sat down and drew novel seekers in a novel way. Not one looked my way because they thought I was absorbed in my book. Instead, I was reading them and transcribing them into forms rather than print.

8. Another time I sat on steps and stepped up my drawing skills by sketching climbers and “descenders”. Pausing between the flow of passersby I read a few lines while waiting for more subject matter.

9. I figure I haven’t finished exploring this novel way of drawing as I am discovering that I can add color later to my figures or backgrounds after the figures have left. I figured that one on my own!

10. Sometimes the numbered chapters influence my drawings, especially the tens. I add eyewear to these. When I sketch someone reading a novel I wonder if he or she has ever thought of writing one or better still - draw in one!

I must admit that this novel idea was not my own. An artist friend, Rochelle Mayer, has been sketching in used novels for quite a while ... while riding the subway. She then uses the sketches for future studio work. What a novel idea!

Finally, since every figure drawn has a beginning and an end, I draw a "climax" at every page...more than the author probably ever imagined!

Raynald Murphy sca

DESSINS DU NU À L’ENCRE DE CHINE – Un défi que j’accepte avec enthousiasme

2011-01-19T12:41:00.009-05:00

« …Une brève réponse à la question : ‘Qu’est-ce que le nu?’ : Le nu est une forme d’art inventé par les Grecs au Ve siècle avant J.-C., de même que l’opéra est une forme d’art inventée en Italie au XVIIe siècle. Cette conclusion, évidemment trop simpliste, a toutefois le mérite de souligner que le nu n’est pas un sujet mais une forme d’art. » *

L’encre de chine, ne pardonne pas. On ne peut pas effacer ou reprendre la marque faite sur papier avec ce médium permanent. Lorsque je dessine à l’encre j’accepte le défi. Le temps semble s’arrêter tant je suis concentré. Comme le skieur en compétition avant son départ je me prépare mentalement avant de commencer. Je visualise, puis j’attaque!

Voici avec commentaires quinze dessins exécutés dernièrement lors d’ateliers de modèle vivant à Radio-Canada à Montréal. Ces dessins de format 9 po par 12 po environ ont été dessinés soit avec une pointe en métal ou avec un petit bâton de bois aiguisé. Je représente parfois les valeurs une fois l’encre séchée par un lavis ou par quelques traits de crayon de couleur. Je ne dessine pas le modèle au crayon avant de le faire à l’encre. Les poses sont de cinq, dix ou quinze minutes.

1. Nue fesses à l’air – La qualité de la ligne varie. Elle est parfois dure, mince ou souple.

2. Nue morose – La masse blanche du papier non touchée de l’intérieur du modèle contraste avec l’activité de la ligne, des hachures et des taches noires.

3. Nue bras au dos – Les hachures et traits raides semblent faire vibrer le modèle.

4. Nue appuyé sur un bras – La force du noir de l’encre n’a pas d’égale avec d’autres médiums.

5. Nue perchée sur le tabouret – Le truc lorsqu’on dessine à l’encre c’est, je crois, de varier l’épaisseur de la ligne.

6. Nue aux seins poire – Il est important que nous sentions le mouvement de la ligne. Notez qu’ici j’ai choisi d’accentuer le rythme des contours du corps par des hachures dans le même sens que ceux-ci.

7. Nue au visage tendu– Je sentais de la tension dans le modèle. J’ai tenté de l’exprimer par des taches noires à des endroits clés et par des traits rigides au lieu de courbés.

8. Nue à la fesse blanche – Par opposition à la pose précédente, le modèle est à l’aise. Les courbes sont rendues avec une ligne délicate. Le lavis gris de gauche accentue la courbe gracieuse à partir de l’épaule jusqu’au talon.

9. Nue en T – Je concentre intensément – puis j’agis en plaçant avec précision les marques les plus foncées aux endroits les plus importants.

10. Nue en diagonale – Les traits plus foncés sont placés du côté qui est à l’ombre, soit à droite. Du côté gauche le dos et la fesse sont en lumière, donc la ligne est mince ou absente.

11. Nue en étirement – J’oppose les taches noires par des lignes délicates ailleurs.

12. Nu appuyé sur le banc – Pour cette pose il était important de rendre le volume pour indiquer sa musculature. Son expression faciale est transmise par quelques marques bien choisies.

13. Nus penchés – Le placement des hachures aux bons endroits fait que je pense ces deux dessins réussis.

14. Nu au repos sur un banc – Cette pose exigeait que j’indique bien les parties à l’ombre, sinon la pose aurait été incompréhensible.

15. Deux nus en hachures – Lorsque le modèle prend une pose intéressante le dessin de celui-ci semble être plus facile.

* Kenneth Clark, LE NU Tome I, Hachette Littératures, 1998, p. 21

Raynald Murphy sca

SKETCHING PEOPLE IN THE METRO/SUBWAY – Drawing shapes rather than people

2011-01-05T15:37:00.003-05:00

“I love things and that’s what I paint. Yet I don’t copy them - a photograph could do that better. Instead I react to them. That is, I try to change what I see and make the pieces fit like the pieces of a jigsaw puzzle.” Charles Reid in the introduction to Painting What You Want to See.

Shapes, shapes and more shapes

Some say drawing people correctly is very difficult but the paradox is that when one stops thinking about drawing people and starts thinking about drawing shapes, then people drawing starts being easier. Probably because we are so used to seeing people, we try to draw what we think we see – a symbol or an example of a generalized person – rather than concentrate on drawing correct shapes.

Setting up to draw in the subway

One day this winter the weather was not conducive to drawing or painting outdoors, so my friend and I decided to set up at subway train stations to draw people and the surroundings. We sat on small folding stools and drew in small sketch books with dry media.

Our objective – learning and having fun

At one train station there is a circular seating area where one can sit and wait. We both sat and sketched at a discrete spot about ten paces away. We were not drawing facial portraits at that distance but rather we were trying to design interesting shapes that looked as close to what was before us. Putting the pencil somewhere near the center of the page we drew one shape after another. After an hour or so, we had accumulated a few drawings, some more finished than others. We did not produce masterpieces but we enjoyed the challenge and we hope this increased our drawing skills. Some of these drawings would be used later as subjects for studio paintings.

Light and dark – Figure and Ground

It is important to think of a drawing strategy before putting pencil to paper. For example, in drawing the figures that were sitting or standing around the circular bench I tried to visualize dark flat shapes against a light background or light shapes in front of a dark ground. By so doing I reduced the complex shapes to simple flat forms that fit into each other like puzzle pieces. Once I had penciled an outline of the person, I added value or volume by hatching parallel lines on parts of the figure or the entire figure to distinguish one shape from another. Some figures were left simply as contour shapes.

What to do when people move

I must admit that drawing people in public is not that simple especially for the beginner especially if they move. So you might ask: what do you do when the person you are sketching moves or leaves? Well, I usually stop drawing that person and start drawing another person shape elsewhere or draw the surroundings. Then, if the person resumes his original position I complete the missing shapes. If not, I invent what I feel should or could be. As long as the proportions are correct, I remind myself that I am not taking a photo, I am designing. I am creating my own reality.

Adding color and texture and leaving parts unfinished

In some of the sketches you will notice that I added some color and/or created texture by crosshatching dark over light. I also sometimes faded out or left parts of the scene or part of the figure incomplete. This strategy permits the viewer to participate in the drawing by mentally filling in the missing parts. Simplified lines drawn in perspective completed the background and suggested the environment.

Sketching in busy areas

During the whole two hours or more that my friend and I were drawing very few passersby came over to see what we were doing. It is a fallacy to think that one will be disturbed when drawing in public. Let’s face it, most people are too preoccupied to even care or look at what you are doing. So why not try sketching in public? It is a very valuable learning exercise. Moreover, you might become positively addicted to it as my friend and I have become.

Raynald Murphy sca

LE CENTRE BELL À MONTREAL – Aquarelles à partir de bronzes d’héros d’hockey d’autrefois

2010-12-08T11:49:00.024-05:00

« Je crois que la plupart d’entre nous, étudiants aussi bien qu’artistes, devrions nous concentrer moins par ce que nous pensons être la façon correcte de dessiner mais plutôt laisser davantage nos émotions s’exprimer à travers la main. » Bert Dodson dans Keys to Drawing

Choix du papier selon les conditions

Je suis retourné à plusieurs reprises peindre l’édifice du Centre Bell et les bronzes des quatre hockeyeurs répartis devant l’aréna. La lumière du jour, les conditions atmosphériques et l’achalandage influencent l’endroit où je me place. Je choisis mon papier selon la température et le sujet. Lorsqu’il vente, je choisis un papier plus poreux tel le papier d’Arches, au lieu d’un papier doux et lisse comme le Stratmore Aquarius II qui sècherait trop vite à cause du vent ne laissant pas la pigmentation pénétrer suffisamment.

Dessinez à partir d’un monument

L’avantage du dessin et de la peinture à partir d’un monument est que le modèle est statique. Contrairement au temps limité lors d’une pose d’un humain ou d’un personnage, je peux l’étudier et le dessiner aussi longtemps que je veux. De plus, le bronze ne réclame aucun argent pour sa pose. À Montréal nous sommes privilégiés car il y a un très grand nombre de monuments et statues dans la ville.

Pour bien rendre le personnage du bronze, mesurez et dessinez les formes négatives

Je commence habituellement mon dessin en représentant aussi fidèlement que possible le contour de la tête. La dimension de la tête me sert de standard. Je peux me référer à celle-ci pour mesurer les autres parties du corps. Je localise le dessus de l’épaule par un point. Après avoir déterminé l’épaisseur du bras, je place un point de départ sous le bras et je dessine très précisément la forme négative entre le corps, le bras et la main. Les autres espaces négatifs - ceux entre les jambières, le bâton et la plateforme - sont rendus avec autant d’exactitude. Ces espaces négatifs bien déterminés et localisés me servent à construire ensuite les formes positives plus correctement.

La forme est plus évidente par une journée grise

Certains de ces bronzes ont été dessinés ou peints sur le motif lors d’une journée semi-ombragée. Un éclairage plutôt sombre est parfois avantageux afin de ne pas être ébloui par une lumière trop éclatante. Je peux mieux percevoir l’essentiel des formes sans distraction surtout parce que le bronze est une matière réfléchissante.

Rendre la couleur et la matière du bronze

Maurice Richard, Jean Beliveau et Guy Lafleur ont été peints sur un papier Stratmore Aquarius II à la fibre douce parce qu’il traduit bien le volume et l’effet du métal par ses transitions subtiles. J’ai utilisé le papier d’Arches au grain fin pour peindre le format horizontal du Centre Bell. Pour peindre les joueurs d’hockey j’ai utilisé les pigments suivants: le Noir de Bougie, de la Terre de Sienne Brûlée, de la Terre de Sienne Naturelle et du Bleu d’Outremer foncé. J’ai travaillé surtout mouillé sur sec, mais j’ai quand-même laissé certaines couleurs se combiner toujours en laissant du blanc à des endroits précis pour traduire l’éclat réfléchi de la lumière sur la matière lisse.

La peinture et le dessin sur le motif – un défi toujours profitable

Aurais-je pu réussir aussi bien ces aquarelles en studio en me servant uniquement de photos comme références? Je suis convaincu qu’il faut travailler sur le motif pour pouvoir comprendre, dessiner et peindre un tel sujet qui est quand-même assez complexe. Comparez la photo prise du même endroit que j’ai peins la scène du Centre Bell et formez vos propre conclusions.

Raynald Murphy sca

Note: Ce texte parraît dans le numéro de décembre de la revue de la Société canadienne de l'aquarelle, l'aquarelliste. Abonnez-vous en cliquant ici.

DRAWING ON PLACEMATS IN RESTAURANTS – Draw while waiting for your order

2010-10-07T16:02:00.002-04:00

Assure yourself that your dining company doesn’t mind

Once a week after our golf game, our group eats supper at a restaurant. My companions don’t seem to mind that I sketch quick portraits of some of them on the flip side of placemats. Of course, when dining on romantic evening at a restaurant I don’t practice this activity.

Who or what to sketch

For example, you can choose to sketch tableware or the decor if that is what strikes you as interesting. If you are at your first attempt at sketching in a restaurant and are not yet too confident drawing people, then by all means look around for the still life setups. Plants, flowers or the view outside the window could be your subject matter. The important thing is that you put down some marks on paper no matter how incomplete. These quick drawings are intended as practice. Process is more important than results here.

People sketching

My favorite drawing subject in restaurants is people. I am discrete in that I never draw the person sitting close by. I sketch the customers sitting farther away. Most restaurants are lit with indirect lighting. This usually illuminates the figures well. In general people at table remain relatively still or at least return to the same position over and over.

Sketching profiles

Sketching a figure in profile or in a three-quarter view is easier than drawing a frontal portrait in these situations. It is also more discrete since the person you are drawing is looking away. A customer well lit against a dim-lit background will be easier to draw because you will perceive well defined shapes. The opposite is also advantageous – a dimly lit figure in profile set against a bright backdrop will be easier to decipher because you will be drawing a flat shape.

My general strategy

Before I put pencil or pen to paper I usually observe very closely the subject I am about to draw to see what position he or she returns to over and over again. Then, without looking at my paper but rather looking very attentively at the model, I draw part of the contour of the face. I occasionally look down and restate a more correct line beside a tentative one. The portrait evolves as I randomly add such elements as ear, neck line, hair contour and clothing. If my model moves too much or leaves I start another drawing elsewhere on the paper.

Waiter or waitress reaction

Most of the time, I leave the placemat at the restaurant. I have yet to see a waiter or waitress that is displeased. Rather, these quick sketches usually initiate favorable remarks. Some servers will ask me to sign the placemat and keep it.

Raynald Murphy sca

CARNETS DE PÊCHE AU HOMARD À PERCÉ – Croquis rapides faits à bord d’un bateau

2010-09-06T20:53:00.003-04:00

Dans un bar à l’Anse à Beaufils, Percé

En juin dernier j’ai rencontré par hasard Richard Labbé, propriétaire d’un bateau de pêche à homard. Suite à notre conversation, le capitaine m’a invité à l’accompagner le lendemain sur son bateau afin de faire du dessin et de la photo.

Départ du quai très tôt le matin

En juin le soleil se lève au cœur de la nuit en Gaspésie. Donc, Richard, son aide Dave et moi avons pris le large vers 4 h juste avant le lever du soleil. Nous sommes revenus au quai avec notre récolte vers 9 h 30.

La pêche commence au printemps

La pêche au homard dans cette région a lieu de la fin d’avril jusqu’au tout début de juillet. Les premiers jours les pêcheurs récoltent environ 1000 livres de homard par jour. Vers la fin de la saison ils ne vont chercher qu’environ 100 livres. Les sorties à ce moment-là ne s’effectuent parfois qu’aux deux jours par beau temps ou mauvais temps, pour vérifier leurs cages.

Mes dessins

Afin de simplifier mon travail je n’ai utilisé que quelques crayons et deux cahiers à dessin. Pour ne pas nuire je me suis placé avec mes carnets soit à l’arrière du bateau ou à l’avant près du pilote. J’ai pu croquer une trentaine de dessins. Afin de ne pas me retrouver dans la mer je me tenais d’une main et je dessinais de l’autre, mon carnet coincé entre les genoux!

Le lunch

Vers 7 h nous nous sommes attachées au bateau de Bernard, frère de Richard. Les pêcheurs ont mangé et ils ont rigolé. Pendant ce temps et sans qu’il s’en aperçoive, j’ai dessiné le profil de mon hôte que je lui ai remis en guise de remerciement. Comme j’en étais à ma première expérience sur mer, j’avais peur d’avoir le mal de mer et je n’avais pas apporté de lunch. Les pêcheurs d’expérience m’ont dit qu’au contraire, il faut manger pour éviter d’être malade. Heureusement je n’ai ressenti aucun malaise pendant tout ce voyage très mouvementé.

Le travail de Richard

Richard retrouve facilement ses cages à homard. Elles sont liées aux cordes et aux bouées identifiées sur son GPS marin par des barres rouges et des points. Même si la visibilité est nulle, Richard peut les retrouver. Une fois arrivé au dessus d’une bouée jaune, il l’attrape avec une longue perche à crochet. Ensuite il enroule la corde sur une manivelle mécanique. Cette roue, actionnée par un moteur, remonte la cage. Richard se penche, attrape la cage et la dépose sur le rebord du bateau.

Dave s’occupe des cages

Dave ouvre la cage et enlève le homard. Les trop petits, les trop gros et les femelles sont est rejetés à l’eau. Le homard « légal » est déposé dans un contenant avec les pinces par en haut. Ensuite, il remet un nouvel appât, referme la cage et aux mots « jette ça à l’eau » il la lance à l’eau. On retrouve la cage suivante et ainsi de suite 250 fois. Pendant les moments libres Dave ou Richard attachent des élastiques sur les pinces des homards et les déposent dans un gros bac. Parfois une cage a besoin de réparations ou le cordage se mêle dans l’hélice du moteur. Tous ces pépins peuvent causer des délais frustrants.

Une aquarelle à partir de dessins et une photo

Le lendemain, à partir de mes dessins et d’une photo j’ai peint une aquarelle. Au loin devant un lever de soleil éblouissant on voit le Roché Percé et à l’avant-plan la partie droite du bateau, le capitaine, le homard et la cage prête à être jeter à l’eau. J’ai vécu une expérience fabuleuse que je n’oublierai jamais de même que la généreuse invitation de Richard!

Raynald Murphy sca

TWENTY-FIVE MINUTE PORTRAITS– Painting the figure outdoors at Domaine Saint-Bernard, Tremblant

2010-08-25T12:15:00.004-04:00

“Capturing a model’s attitude takes concentration. Study your model, looking for unique variations. Always approach a model as if you’ve never seen a person before.” Charles Reid’s Watercolor Secrets

Painting in natural light

During the fall and winter months I paint portraits indoors lit by artificial light. This is the traditional way most portraits are done. However, at an outdoor workshop at Domaine Saint-Bernard, Tremblant in August I painted some watercolor portraits by natural sunlight. I found the advantages of models lit by sunshine outweighed the inconveniences.

Sunlit figures

The model sat facing me. Strong sunlight draped the figure from to left to right at a diagonal. Throughout the afternoon the light remained relatively constant. What I especially enjoyed were the forms defined by the crisp shadows cast across the facial features. These forms described beautifully the particularities of the model.

The drawing

I drew the figure with a 2B pencil on 10 by 13 inch sheets of Strathmore Aquarius II and Arches CP watercolor paper. I started by drawing the eyes. I tried to capture the shape of the eye correctly, to locate the iris precisely, to draw the shape of the eyebrow well and to find the correct spacing between the eyes. Using the inner edge of the eye shape as a reference point I located the limits of the wings of the nose. I also drew the shape of the nostrils. I then drew the line formed by the upper and lower lip paying particular attention to its slant and its limit. The contour of one side of the face, the length and width of the neck and the hair shape were drawn next. I defined these areas with color later. After ten minutes spent on the drawing the model relaxed while I prepared my colors.

Painting – first stage – linear definition

Using two Kolinsky natural hair watercolor brushes and a limited palette I painted the three stages in one go as much as possible. It was important that I get the value right the first time since I tried not to go back over an area with paint except in the hair and clothing area. Using a combination of Ultramarine Blue and Burnt Sienna I first painted the irises, then the linear shapes of the upper and lower eyelids. I fused all these shapes together wet on dry. Next, I outlined the limits of the nose with the same mixture, painted the nostrils, painted the mouth line and finally contoured the facial form particular to the sitter. All this was done with extreme concentration since I did not intend to correct or alter any of these marks.

Second stage – painting the shapes

Most of the areas just painted were partially wet. I painted all of the shadow shapes in one go. Depending on the skin tone of the sitter I used a warm mixture of Burnt Sienna combined with either Raw Sienna, Transparent Yellow or Alizarin Crimson. These washes fused slightly with the areas painted in the first stage.

The final stage – hair, clothing and background

To achieve the feeling that the hair was not just added on, I rewet part of the skin tone near the hair line with clean water. Then I dropped in the color representing the hair color. It fused slightly with the surrounding skin tones. The clothing and background were painted with bolder suggestive brush strokes. Finally, using lamp black or Payne’s Grey I strengthened values where needed.

Suggestion is the key

My goal in painting these impressionistic portraits was not to render a photo likeness of the sitter but rather to try to suggest with paint what the sitter communicated to me. Before putting pencil to paper I observed intensely the sitter for a few minutes. I mentally chose those features; shapes or colors which I felt best described the character of the sitter. These key elements were my focus throughout the session.

The ultimate challenge

Portrait painting is particularly demanding since it tests one’s drawing skills if one is to arrive at a likeness to the sitter. Painting portraits in watercolor, an unforgiving medium with little room for correction, ups the ante to the maximum. I find this challenge akin to performing on stage where there is no room for error, but oh, what an adrenaline rush!

Raynald Murphy sca

DESSINS À L’ÉCOMUSÉE DE STE-ANNE-DE-BELLEVUE – Croquer des animaux et des oiseux dans leur habitat

2010-08-14T21:32:00.001-04:00

Trois raisons pour dessiner

« Il y a trois principales raisons pour laquelle nous dessinons : premièrement, simplement pour le plaisir de dessiner; deuxièmement, pour fins d’information pour composer de futures peintures; et troisièmement à titre d’investigation ou de recherche, essentiellement pour fin d’apprentissage personnel. »*

Un cahier et un crayon

Cette fois-ci lors de ma visite à l’Écomusée de Ste-Anne-de-Bellevue j’étais accompagné. Donc je ne pouvais pas m’attarder longtemps devant les animaux du zoo. Je devais rester debout et travailler rapidement, alors j’ai opté de ne dessiner qu’avec quelques crayons graphites dans un petit cahier.

Un format portable

J’ai dessiné avec crayons 2B à 8B dans un cahier à reliure spirale de 6 po. par 9 po. de marque Robert Bateman. L’avantage de ce format réduit est que je pouvais le tenir facilement de la main gauche ou l’appuyer sur le bord d’une rampe lorsque je dessinais.

Le papier rigide est avantageux

Il faut être prêt à dessiner sans hésiter car les animaux ne posent pas. Les pages de ce cahier à reliure spirale se tournent facilement et la feuille rigide reste à plat. Le papier étant épais permet de dessiner recto-verso sans crainte que le fixatif n’abime la feuille.

Développez le sens d’observation

Si vous tentez de dessiner des animaux sur le motif il faut penser processus et non produit. Vous pratiquez votre dessin tout en essayant de développer autant la rapidité d’observation que d’exécution. Je crois qu’il est inutile de tenter de faire un dessin académique d’un animal qui change de position continuellement.

Quelques conseils:

1- Observez bien l’animal avant de mettre une marque sur la feuille et remarquez ce qui lui est particulier. Par exemple, ce pourrait être la courbe ovale du dos de l’ours, le gestuel de la loutre ou la forme du bec de l’oiseau.

2- Faites d’abord une ligne contour sur votre feuille qui représente sa forme mais faites-la en regardant surtout l’animal et non votre feuille. Ajuster cette ligne plus tard si nécessaire à côté de la première mais surtout n’effacez pas!

3 - Si l’animal n’a pas encore bougé c’est un cadeau qu’il vous fait. Élaborez une partie particulière. Ce pourrait être seulement les yeux perçant du hibou et son bec. Ou encore, la coquille et les pattes de la tortue. N’essayez pas de tout rendre, ciblez une partie qui attire votre attention.

4 - Parfois vous n’aurez pas le temps de rendre plus que quelques lignes, mais si le temps et l’intérêt vous le permet il est important de rendre la tonalité au moins d’une section de l’animal. Ceci rendra la troisième dimension.

5 - Si vous travaillez qu’avec un seul crayon, rendez les valeurs par des hachures. Faites que ces hachures suivent son mouvement, son plumage ou son poil. Par exemple, les hachures de l’oiseau suivront la direction de son aile. Les traits les plus foncés seront ceux à l’ombre.

6 - Si le temps vous le permet, indiquez sommairement son habitat. Pour l’oiseau ce serait sa perche et pour le renard, une touffe de brins d’herbes sous ses pattes.

La photo à sa place mais pas ici

Je n’ai pris aucune photo lors de cette session et je pense que c’était une bonne décision. Si je décide de faire une peinture d’un animal ou d’un oiseau dessiné ce jour-là je peux y retourner prendre des photos. Ces références s’ajouteront à mes croquis. Je suis convaincu qu’afin de rendre l’animal avec conviction il faut d’abord l’observer dans son habitat. La photo s’ajoute aux croquis, pas l’inverse. Nous avons plusieurs zoo à proximité, profitons-en pour les dessiner. Je crois que Robert Bateman serait du même avis.

*Gerald Greeen dans The artist’s Essential Guide to Watercolor

Raynald Murphy sca

DRAWING AT MARIONOPOLIS COLLEGE ART FEST – Suggestions When Sketching at a Musical Concert

2010-06-03T17:28:00.002-04:00

Seating

I was lucky to find a second row seat at the right of the stage when I attended The Annual Marianopolis Art Fest Concert this spring. Moreover I was able to place my tools on a small writing table which attached to the back of the seat in front of me. The concert offered by Alumni professional musicians was well attended but most chose to sit further back. This gave me the chance to draw freely without distracting anyone. I was unable to see and draw the pianists’ hands from where I sat but since most renditions were by duos or trios I had plenty of subject matter to interpret.

Sketch book

Although I have drawn in a variety of sketch books at concerts I prefer the 9 in. by 6 in. Pentalic leather imitation spine bound sketch book. The smooth surface and warm tones of the paper which can represent skin tones adequately works well for me. Drawing in spiral books in close quarters can be annoying especially because the spiral can interfere if one wishes to draw across the pages.

Pencils

Sharpening pencils during the performance wastes precious time and can be annoying for neighbors. I bring along a good supply of pencils already sharpened. Although you can keep pencils on your lap, remember that one falling on the floor can be very distracting especially at a classical music concert. It is best to keep your pencils in a cloth container. I draw with graphite pencils, Nero or Derwent pencils both black and sepia toned. The warm toned pencils represent the skin tones and most instruments. The graphite and black pencils are used for contours and to render most clothing. The untouched surface of the paper represents white, usually the white shirts and highlights.

Hatching

At most concerts you may have difficulty manipulating your book in order to hatch lines in various directions. But do so if possible. You will notice from my examples that varying the direction of the pencil strokes when rendering tone creates variety and a sense of motion which suggests musical vibrations. Whenever possible I let one color overlap another to deepen the tone and to link forms.

Think form or shape not detail

Whenever I am drawing musicians from afar I do not attempt to do a portrait of them but rather I try to express body language and to render the fluid combination of instrument and musician as accurately as possible. I will sometimes omit rendering facial features too clearly if at all except when illustrating a singer. It is also very important to study closely and to represent correctly the placement of hands on an instrument.

Trapped shapes

When composing the sketch I observe closely the negative or trapped shapes between duos, trios or groups of figures. The shapes created in between both musicians and instruments often are as interesting as the figures themselves. Practice visualizing these shapes even before putting a mark on the paper.

Fine line marker lines

Between renditions I sometimes re-define parts of the forms with a fine line marker. These darker strokes add focus and clarify certain sections of the drawing. Since marker lines cannot be altered it is best to add them sparingly. For example, a dark line under a foot will anchor a figure to the stage. Again, a dark ink line along a section of an instrument will direct the eye there if that is your intention.

Dating your sketches

Get into the habit of dating and signing your sketches and annotating where the concert took place along with any comments you felt at the time. Looking back later through your sketch books these extra notes will bring back joyful memories.

Raynald Murphy sca

DESSINS DE SPORTIFS D’APRÈS LA TÉLÉ – Un exercice qui développera observation et mémoire visuelle

2010-05-24T21:49:00.001-04:00

Le golfeur, le hockeyeur et autres sportifs en mouvement

Je dessine d’après les images qui passent à la télé pour mon plaisir ainsi que pour pratiquer le dessin du personnage. Je pourrais arrêter l’action et dessiner l’image fixe. Mais ce n’est pas mon but ici. C’est plutôt de développer l’observation et le dessin rapide. Le dessin d’après une image fixe d’une photo ne développera pas l’habileté de dessiner le personnage en mouvement. L’observation par elle-même ne développera surement pas l’expertise du dessin. Si vous tentez cet exercice ne vous découragez pas. Ce sera difficile au début mais avec le temps vous commencerez à voir du progrès.

Pensez quantité et non exactitude

Lors de cet exercice le processus est beaucoup plus important que le résultat. Vous faites ces dessins pour apprendre et non pas pour les exposer. C’est de la pratique pur et simple. Il faut se tromper des centaines de fois pour apprendre. C’est la quantité qui compte en non l’exactitude. Dessinez, dessinez et dessinez encore ce qui passe devant vous à l’écran. Par exemple, ne dessinez d’abord qu’une section du personnage, disons la tête et l’épaule. Après un deuxième regard, ajoutez la forme d’un bras. Si la caméra montre un autre golfeur, oubliez le premier et commencez le dessin de ce nouveau personnage. Il n’est pas important de tout finir.

Suggestions

Vos personnages ne devraient pas être plus grands que 10 cm (la largeur de votre main, pouce inclus). Parce que l’image à la télé bouge et change constamment vous avez avantage à travailler vos dessins assez petit.

Travaillez avec les outils qui vous conviennent mais n’effacez jamais! Faites plutôt une deuxième ou une troisième ligne à côté de la première pour reprendre la première.

Travaillez dans un cahier d’environ 28 cm par 22 cm. Il vous faut un format suffisamment grand pour dessiner plusieurs personnages sur la même page rapidement et en commencer d’autres à côté. Si vous dessinez dans un trop petit carnet vous allez perdre du temps en tournant les pages d’autant plus qu’il est avantageux de jeter un regard furtif sur les dessins d’à côté lorsque vous dessinez.

Placez-vous directement devant l’écran. Inclinez le carnet à 45 dégrées environ et appuyez-le sur le rebord d’une table ou sur vos genoux. Évitez de bouger la tête. L’image observée se transposera plus facilement sur votre feuille si vous gardez la tête immobile. Seuls les yeux bougent.

Lors des commerciaux, regardez vos tentatives et complétez certaines de mémoire ou inventez selon la logique. Ceci servira à développer la mémoire visuelle ainsi que l’imagination.

Il est plus facile de dessiner à partir du haut de la page jusqu’au trois quart. Retournez votre cahier à l’envers afin de dessiner sur la partie du bas. Ou vous pouvez simplement omettre de dessiner dans la section du bas.

Choisissez un carnet avec reliure en spiral ou un qui s’ouvre à plat, le papier d’une texture assez lisse. Vous serez frustré si les pages ne restent pas parfaitement plates. Vous n’arriverez pas à rendre le détail sur du papier rugueux. C’est déjà un défi de faire ces exercices. Mettez-vous à l’aise.

Lors de la phase d’observation du dessin, soyez conscient autant de la forme positive, le joueur, que de la forme négative – l’espace autour de lui. C’est la silhouette qui compte et non les détails pour le moment.

Le mouvement d’un sportif est répétitif. Vous deviendrez plus habile avec de la pratique pour anticiper ses mouvements.

Ce n’est pas un portrait que vous dessinez pendant ces exercices. C’est la forme du corps en mouvement et l’action qui importent. Il faut faire sentir ceci dans vos dessins.

Dessin sur le motif à partir de la télé

Ne confondez pas ce type d’exercice avec le dessin d’après photo. Ce n’est pas du tout pareil. Les images en mouvement à la télé imitent celles de tous les jours en trois dimensions. Travailler ce type de dessin est similaire au dessin en plein air. Le choix de dessiner le sportif au lieu d’autres personnages en mouvement est que les mouvements sont plutôt répétitifs. Les plans choisis par le caméraman sont souvent les mêmes. Les sportifs auront plus ou moins la même taille. Tout ceci rend l’exercice possible. Vous serrez surpris que ce ne soit pas si difficile que cela et vous vous divertirez en même temps parce que vous regardez votre émission sportive préférée.

Raynald Murphy sca

PAINTING A PORTRAIT OF MY PET DOG CHARLIE – Creative Use of Photographs

2010-04-26T12:04:00.011-04:00

Degas ‘loved and appreciated photography at a time when artists despised it or did not dare admit that they made use of it’. He was among the first artists ‘to see what photography could teach the painter- and what the painter must be careful not to learn from it’.*

The photograph fixes the appearance of the event

Artists today are privileged to be able to use a limitless number and kind of images as reference of instant appearances to create figurative and non-figurative art. “Photographs preserve instant appearances” says John Berger in a most interesting essay written in 1978 titled Uses of Photography** where he cites some of his responses to Susan Sontag’s book On Photography. Berger continues: “Human visual perception is a far more complex and selective process than that by which a film records. Nevertheless … both register images. What the camera does, however, and what the eye in itself can never do, is to fix the appearance of that event. It removes its appearance from the flow of appearances and it preserves it …”

Figures in motion fixed in time by the camera

When I decided to paint a portrait of our pet dog Charlie I could not have done so without the use of photos. I needed to fix his appearance so I could use it interpretively in a painting. Charlie could not “pose” long enough for me to paint his portrait. So I chose one of the photos from about a dozen and used it as a reference of his appearance.

Using photographs versus copying them

I suspect that Degas foresaw that some artists in the future would be tempted to “copy” too closely from photographs. In these I often sense that the hand or “signature” of the artist is absent. I have also found through personal experience that about the only way to develop a personal style is to draw and sketch often from nature and from life. I am tempted to add that if a painting cannot be attributed to the artist as seen from a distance chances are the artist does not have enough experience working from nature and life.

1. Tonal value study: It is crucial when working from photos not to skip this step. During this initial phase I think in terms of value, shape, form, light, dark, design and composition. To skip this step and to go straight to rendering from the photo is to fall into the “reproducing” trap. For example, it is during this phase that I will make adjustments in composition and value. I will also eliminate superfluous details which the camera records.

2. Color study worked from the pencil sketch and the photo: During this phase I eliminated details, such as the yellow rope and I concentrated on rendering the feeling of movement.

3. Painting stages: I worked initially very wet in wet gradually deepening the color and darkening some values. I did not render detail too quickly but concentrated on painting shapes with hard and soft edges.

4. The final stage, details and background: Working back and forth between water and dog, I tried to capture the light falling across his fur and accentuate the movement of the waves. Finally, I also wanted to paint the feeling of Charlie tiptoeing through the water in search of minnows, so I emphasized value, color and detail around his paws. (The painting was done on a half-sheet Arches 140 lb. cold press paper.)

Everyone loved Charlie

As much as we wanted to keep our family dog forever there came a time when he had given all the love he could. At ten years of age Charlie bid us good bye. I reframed the portrait I had painted of him in 2002 when he was two and hung it in a prominent place. Whenever we look at it we remember the joy Charlie brought to all he greeted – as he smiled, wagged his tail and squirmed with happiness.

* Art and Photography by Aaron Scharf, p. 184
** Selected Essays by John Berger edited by Geoff Dyer, p. 286

Raynald Murphy sca

MONTRÉAL SUR LE MOTIF ET EN PHOTO – L’art et la photographie

2010-04-17T15:25:00.012-04:00

« La vérité en art n’est pas la vérité photographique, tel que plusieurs semblent le penser aujourd’hui. Un nombre de peintres semblent, sous l’influence de cette idée, entrer en compétition avec la caméra, ce qui est aussi laborieux que futile ».* Écrit en 1870 par Horace de Boisbaudran, le célèbre professeur de la méthode mémoire en art.

L’invention du daguerréotype, première caméra

« Lorsque le précurseur de l’appareil photo, le daguerréotype, fut inventé au début du dix-neuvième siècle, certains commentaires dans les journaux littéraires et artistiques annonçaient aux artistes que l’invention serait au service de l’artiste…que le daguerréotype servirait en tant qu’esquisse pour l’artiste et qu’il serait utile pour l’artiste qui n’a pas le temps de dessiner ».**

La photo – que représente-t-elle?

La photo peut être un aide-mémoire pour l’artiste, mais avant de s’en servir il faut prendre conscience qu’elle ne représente pas fidèlement la réalité. La réalité vue par l’artiste est-elle la même que celle vue par la lentille? Ce sujet est traité par Aaron Scharf en détail dans un volume de 397 pages publié en 1968 et intitulé : Art and Photography. Impossible, bien sûr, de résumer ce fascinant livre ici en quelques paragraphes. Afin de se questionner sur la fonction de la photo en art, je vous présente ici quatre scènes urbaines peintes récemment que vous pouvez comparer à la photo du même endroit. Une discussion accompagne le visuel.

1. La photo représente tout ce qu’elle perçoit de façon uniforme et en deux dimensions alors que nos deux yeux nous permettent de voir en trois dimensions– Lorsque je peins sur le motif, je limite le sujet dans mon champ de vision et je choisis parmi tous les éléments ceux qui me serviront. Si, par exemple, j’examine la photo de la Place Jacques-Cartier, je remarque que j’ai éliminé plusieurs d’éléments et que j’en ai accentué d’autres. C’est la silhouette irrégulière des toits qui est le sujet principal. Si je travaille uniquement à partir de la photo en studio, le danger est de tout représenter de façon égale telle que je le perçois dans la photo. Tout dans la photo a une allure semblable, autant les valeurs que la couleur. Cette égalité m’influencera négativement. Quand je suis devant le motif, j’interprète la scène et je ne peux pas copier tout ce qui est devant moi. Le manque de temps, les distractions autour de moi et surtout ma réaction émotive à la scène m’empêchera de la représenter sans interprétation personnelle comme le fait la caméra. Cette dernière ne ressent aucune émotion devant la scène.

2. Certaines scènes que nous voulons peindre sont souvent mal éclairées – Lorsque j’ai peins cette église, j’ai vite réalisé que la façade ne serait jamais bien éclairée. Pendant toute la journée le bâtiment était presque toujours à l’ombre. Il aurait fallu, je crois, un vrai tour de force, même avec toute mon expérience, pour inventer la lumière et la couleur adéquates et vivantes en travaillant en studio seulement en me basant sur cette photo sombre et grise. Aussi, le fait d’être sur place m’a facilité l’intégration de gens et d’autos dans la scène à l’endroit que je voulais.

3. La perspective qui est représentée par la photo est fausse, il faut ajuster – Si vous comparez la photo à l’œuvre vous pouvez voir que les verticaux des édifices dans la photo, au lieu d’être parallèles, convergent vers le ciel. Lorsqu’on peint une telle scène de bâtiments il vaut mieux ajuster, sinon le spectateur verra que la peinture est une copie d’une photo, à moins que ceci soit voulu pour un effet quelconque. Parce que j’étais dehors, j’ai pu accentuer et même présenter plusieurs éléments, tels la bouteille à lait, qui n’est pas très visible dans la photo. J’ai eu recours à mes émotions et j’ai créé une harmone de couleurs en conséquence.

4. Certaines formes, bâtiments et ombres portées, par exemple, paraissent trop foncées dans la photo – Souvent les valeurs dans la photo sont soit trop foncées ou trop pâles. Cette peinture traite un sujet ou il y a des bâtiments au loin. Pour faire sentir que la silhouette de la ville est éloignée, je la peins plus flou et pâle contrairement à ce qu’on voit dans la photo. Pour faire paraître le navire plus rapproché je le peins plus en détail. J’ajoute un personnage afin qu’on puisse connaître la dimension du bateau par comparaison.

La photo au service de l’artiste

La photo peut avoir sa place dans la création d’une œuvre. Plusieurs impressionnistes se sont servis de la photo. Elle était indispensable pour des artistes/illustrateurs tels l’américain Norman Rockwell. Personnellement, j’utilise mes photos (il est important de se servir de ses propres photos) en studio lorsque j’ai besoin d’information supplémentaire pour ajouter à un dessin ou à une pochade fait sur le motif. Bref, la photo n’a pas d’émotion. Lorsqu’on demande à Matisse pourquoi il peint, il dit : «Afin de traduire mes émotions, mes sentiments et les réactions de ma sensibilité en couleur et en design, quelque chose que ni l’appareil la plus parfaite, même en couleur, ni le cinéma ne peuvent faire.» ***

*Art and Photography par Aaron Scharf, p. 178

** Ibid. p. 26

*** Ibid. p. 253

Raynald Murphy sca

THE NAHUM GELBER LAW LIBRARY, McGILL UNIVERSITY – A commissioned painting

2010-03-29T16:36:00.003-04:00

Portrait of an important building

I am sometimes commissioned to do a portrait painting of a building. For various reasons some commissions are more interesting to do than others. It is especially motivating to paint a city landmark especially an historic one. Also, if the architecture is unique and innovative, if the facades are well illuminated and if there is good color harmony then I am really keen to represent it in paint.

The old and the new represented

A few years ago I was asked to do a watercolor painting of McGill University’s new Law Library which had opened in 1998. It is situated on the corner of Dr. Penfield Avenue and Peel Street in Montreal. Because the new contemporary building compliments well the Old Chancellor Day Hall Faculty of Law building beside it I asked permission from the client to combine both in the painting. Happily, this suggestion was accepted.

Procedure

1. First visit: Once on location I realized that late afternoon western light favored the subject. Strong dramatic shadows draped across both the older stone of the Chancellor Hall building and the newer Nahum Gerber Law Library. This illuminated and accentuated the geometric shapes repeated in both the old and the new building.

2. The preliminary sketches: On my second visit I did a small pencil sketch and a color study in watercolor. I also photographed the buildings from various angles as added reference. These sketches were presented to the client for approval.

3. On site work: Whenever I am able to do some of the work on site, which was the case here, I find it extremely helpful. In this case I was able to draw the composition directly on the watercolor sheet. If I had been unable to do this either because of weather conditions or because the viewpoint I had chosen didn’t permit it, I would have enlarged my small on site sketch in the studio and transferred it to the watercolor paper.

4. Studio work: Equipped with the on site drawing on the watercolor sheet the value sketch and the color study done earlier along with the photo references, I completed the painting in the studio on a half sheet Arches Rough watercolor paper.

Reaching agreement with the client

From my experience I have found that painting a commissioned house or building portrait will be more enjoyable if the expectations of the client are clear and well understood. It is important to spend some time with the client to get a feeling of his or her preferences. For example, I want to know if I can alter somewhat the color scheme. Can I choose from which angle I can paint the scene? Can I include people or vehicles in the scene? Other issues such as delivery date and payment should be discussed and agreed to firmly. This makes for a successful partnership.

I invite you to visit the Law Library and compare my rendition to it. You may even wish to do research in the library.

Raynald Murphy sca

DIVERS ARTISTES FONT LE PORTRAIT DE GEORGES – Chacun l’a vu d’un œil différent

2010-03-12T17:35:00.008-05:00

« Peignez ce qui est devant vous … et non ce que vous imaginez. » Harley Brown’s eternal truths for every artist.*

Le dessin du portrait

Le dessin du portrait, il faut le dire, est un défi mais un heureux défi pour ceux ou celles qui s’y aventurent. Afin d’arriver à une ressemblance, un trait doit être rendu correctement en relation à l’autre. Tout change selon le point de vue du dessinateur (de face, de trois quarts ou de profil) donc il n’y a pas de mesures standards. Chaque pose est différente. Bref, juste une petite déviation peut tromper la ressemblance. Mais avec beaucoup de pratique, humilité et en suivant quelques conseils, on peut y arriver.

Quelques suggestions:

1. Mesurer, mesurer et mesurer encore – Il n’y a pas de raccourci. Il faut constamment prendre des mesures soit au bout du bras, soit à l’oeil ou par d’autre façons. Par exemple, si vous faites face au modèle comparez la largeur du nez, la distance entre les ailes du nez, à celle entre la limite d’un œil et l’autre.

2. Assurez-vous que le modèle soit bien éclairé - L’éclairage doit projeter des formes clairement lisibles sur le visage. Je suggère de placer un éclairage dirigé soit à droit ou à gauche du modèle et un peu plus haut que sa tête. Il est préférable que la direction et la lumière ne nuise pas au modèle.

3. Pensez formes et évitez de nommer les divers traits du visage – Lorsque je dessine je pense dans un mode visuel, donc il faut que j’évite de penser dans un mode linguistique. Par exemple si je pense – je dessine le nez, la bouche et l’œil – ceci cause une interférence et peut nuire à mon observation visuelle. Je risque de reproduire le symbole (ou ce que je pense qu’un nez ressemble, par exemple) au lieu de reproduire la forme spécifique du nez du modèle devant moi.

4. Concentrez-vous sur les particularités du modèle – Au début de la session et avant de mettre le crayon sur le papier, j’observe intensément le modèle pendent une minute ou deux. Je recherche ce qui est particulier à ce modèle ou à cette pose. Par exemple, ce pourrait être que l’homme devant moi a un visage de forme plutôt angulaire. Donc, tout au long de mon dessin cette observation va m’influencer positivement à tirer des traits et des formes plutôt droites que courbées.

5. Faites le choix de dessiner ce que vous jugez significatif pour ce modèle – Il n’est pas nécessaire de dessiner tout le visage ou tout ce que vous voyez dans votre champ de vision (dessin d’Yvon). En éliminant un côté du visage, par exemple, non seulement vous créez une ouverture dans le dessin mais vous laissez votre spectateur compléter ou participer à votre création en imaginant ce qui n’est pas dit. Une autre façon d’orienter la vision du spectateur est d’estomper et/ou de représenter les vêtements, par exemple, par quelques lignes sommaires.

6. Vous avez un grand choix d’outils, de papiers, de médiums et de façons de travailler– Afin de se lancer des défis je crois qu’il est bon d’explorer diverses façons de représenter le modèle en variant de temps en temps ses outils, ses papiers ou ses couleurs. Vous avez ici plusieurs exemples d’artistes qui travaillent en couleur (Eva, Geneviève, Raynald). Certains ajoutent du blanc sur un papier teinté (Yvon, Raynald). On peut même augmenter la luminosité sur le visage en noircissant l’arrière plan (Helmut, Eva) ou même travailler en estompant (Jocelyne) ou en dessinant qu’avec des traits (Claire).

Rassemblez-vous deux ou trois et partez à l’aventure tels certains d’entre nous qui le faisons régulièrement une fois semaine depuis déjà plusieurs années. Le plaisir est souvent autant dans le processus que dans le résultat qui s’améliorera avec le temps et en suivant quelques conseils et en pratiquant souvent. Bon dessin.

Raynald Murphy

* Livre par Harley Brown avec Lewis Barrett Lehrman

LA POSE ]

C'EST PRECISEMENT...L'INSTANT

CE MOMENT ' SOUVENIRS '

INCARNE DE TOUTE LES TENTATIONS..

D'ENVIES, D'AMBITIONS, ET DE VOYANCE

DE PRESAGES ORATOIRES

DANS LES YEUX D' UN AIGLE

COMME UN COUCHER DE SOLEIL SUR LA LANDE

NOUS RASSURE, NOUS EBLOUI OU NOUS POURFEND

TRAISAILLIT D'ESPERANCE DANS L'ATTENTE MOITE

LA VIVACITE DE LA CHALEUR SUFFOCANTE

LA..LA...

COMME UN NOUVEAU NE'

' CONSTELLAIRE '

UN JUMEAUX DES MYRIADES

DES FANTASMES COSMIQUES

COMME UNE TRAME ETOILEE

D'UN DESTIN PLUS TYRANNIQUE

QUE L'APRETE DE L'AUJOURD'HUI

SANS JOIE ECUME DU JE SUIS

NE ME DEMANDEZ PAS POURQUOI

ICI QUI QUE DE QUOI

JE SUIS LA

SOUS LE REGARD INQUISITEUR

DES VOYANTS DE LUMIERE

QUI RECHERCHE UN PEU DE REPIT

D'APPAISEMENT AUX IVRESSES DU DERISOIRE

QUAND LA CHAIR BOUGE....

ET QU'ELLE DEVIENT MOISSON..

S'HABILLLE DES RAYONS VENUES DES ABYSSES ETERNELLES

OU L'IMAGE ET L'ART

RENDRONT TOUJOURS CIRCONSTANCIEL

'' L' ARC EN CIEL ''

DEDUCTIONS DES RIVERINS SURPRIS

DE LA TERRE PLANETE TRANSITOIRE....

MAIS SEULEMENT, Y AURA-T-IL UN PRINTEMPS

TOUTES CES PENSEES QUI TROTTENT DEDANS MA TETE

PASSENT ET REPASSENT

COMME UN VIEUX CHEVAL COURRE SON MILLE

A BLEUE BONNET, DELMAR OU SARATOGA

' LE REVE PASSE '!!!!!!!!!!!

LA POSE EST TERMINE!!!

GEORGES LE POETE.

MONTREAL le 15/01/2010

DR. SKETCHY COMES TO MONTREAL – A burlesque cabaret and life drawing event

2010-02-26T12:14:00.008-05:00

A “different” drawing venue

I am always looking for new and varied subject material from which to draw. Dr. Sketchy is a life drawing event. I have posted some of the sketches my artist friend Jocelyne and I produced at the session we attended January 23rd at Maineline Theatre, 3997 St.Laurent Boulevard in Montreal. Abbie Normal was the model.

How Dr Sketchy originated

Dr. Sketchy's Anti-Art School is both a burlesque cabaret and life drawing event originating in Williamsburg, Brooklyn at the Lucky Cat. Dr. Sketchy's was founded in New York City in 2005, by illustrator and former artist's model Molly Crabapple and illustrator A.V. Phibes. Phibes later left to attend to her design studio.

Dr Sketchy is now in 40 cities

In spring 2006, Dr. Sketchy's expanded into an international franchise. As of September 2007, Dr. Sketchy's branches exist in 40 cities around the world. Branches vary in their conservatism, nudity levels and the skill of their artists.

Dr Sketchy sessions about one a month

The next Dr Sketch will take place March 6th at the Maineline Theatre between 2pm and 5pm. The cost is 10$. For more information go to the link here.

Why We Draw – Quotes from Peter Steinhart’s book The Undressed Art

This easy read entertaining book discusses the reasons why artists, especially figurative artists interested in life drawing of the figure, draw. Here is a sampling of quotes from his book which generally ring true.

• The ability to measure and the ability to see negative space are the greatest assets in drawing. (Eleanor Dickinson, dean of figurative art in the San Francisco Bay Area.)

• We draw to assemble more complicated details than we can assemble in memory alone.

• We draw to make sense of our own feelings.

• To draw representationally, one must increasingly evade the grasp that language tends to place on the mind, must, in a sense, replace knowing with seeing.

• Without instruction we are likely to go on drawing as children draw, depicting what we know rather than what we see.

• Drawing at least requires the ability to separate a figure from its ground or setting and the abilities to detect shape, forms, sizes and orientation.

• A six-inch drawing is easier than a larger drawing because it will be less detailed and because it lies entirely within one’s field of vision.

• You can depict things from memory, but the more you rely on what you recall, the more inaccuracy you’ll have.

• Video studies of art students show them looking half the time at the model, half the time at the drawing.

• An artist draws and draws and draws, seeking to expose himself or herself to as many views of the object as possible so as to amass a brain record from which to draw combinations that suit a new drawing’s need. One uses these memories when drawing quickly.

• Because drawing simplifies what you see, you have to learn what is important and what can be left out.

• One draws especially to learn. You learn and you learn and you learn.

• When you are drawing well, you are seeing something for the first time.

• You draw as if you have to draw, much as a long-distance runner runs or a mountain climber climbs, because without frequent resort to that endorphin-induced euphoria, one does not feel fully alive.

Hoping these words send you and me out the door more often with pencil and paper! Happy sketching!

Raynald Murphy sca

LA VILLE DE MONTRÉAL – Représenter le paysage urbain en style vignette

2010-02-11T22:11:00.002-05:00

Peindre une série

Je suis à peindre une série de scènes de ville à l’aquarelle de format plus ou moins identique. Mon but est de peindre ces vues de façon à laisser une grande partie de la feuille blanche non peinte en style vignette. Donc le design est autant créé par ce qui est peint que par ce qui ne l’est pas.

Je commence au centre

Une fois que j’ai choisi mentalement ce que je désire représenter, j’oriente ma feuille soit à l’horizontale ou soit à la verticale. Je dessine directement au stylo feutre permanent. Je commence la plupart du temps au centre et j’évolue vers les limites de la feuille.

Je mesure à l’œil

Après avoir dessiné une partie, je dessine la suivante en me référant à la première pour prendre mes mesures. La méthode de dessin utilisée ici n’est pas tellement différente de celle du dessin du personnage. La différence est que les formes d’un bâtiment sont généralement plus linéaires que celles du personnage.

La façade à l’ombre

Lorsque je dessine ces édifices et ces monuments je suis très conscient de rendre le côté du bâtiment ombragé plus foncé et celui à la lumière plus pâle. En général je rends les éléments plus importants plus foncés. Les côtés des bâtiments qui sont orientés vers la lumière sont esquissés très pâles ou suggérés.

Je m’arrête avant de toucher la limite du papier

Plus souvent que jamais mes traits de dessin ne touchent pas les bords ou la limite de la feuille. S’ils s’y rendent ce n’est qu’à un ou deux endroits. J’invite le spectateur à compléter lui-même mentalement ce qui est omis.

Le jeu de l’application du pigment

J’ajoute la couleur soit lorsque je suis devant le motif ou plus tard ailleurs. Je crée une harmonie de couleurs plutôt que de rendre la couleur locale. J’ai un plaisir à laisser la fluidité du médium d’aquarelle me guider. Je dépose d’abord de l’eau sur une section de la feuille. Ensuite j’ajoute les pigments et je laisse les couleurs d’entremêler.

Valeurs et couleurs

Tout au long de l’application de la couleur je pense contraste de valeurs. Une couleur chaude ou froide est appliquée selon qu’elle est à la lumière ou à l’ombre. Les façades à l’ombre sont plus foncées et plus froides, celles à la lumière sont plus pâles et plus chaudes. Les parties des fenêtres en retrait et les fentes entre les briques et les pierres sont aussi plus foncées.

Le négatif devient le positif et vice versa

Afin de mettre en évidence la composition et le design j’ai dessiné à nouveau le contour de trois œuvres sur une feuille blanche. Ensuite, j’ai noirci la partie qui était blanche et j’ai laissé blanc la partie qui était peinte.

Les avantages de peindre en série

Je vous propose de peindre une série sur un thème. Presque tous les grands maîtres l’ont fait. C’est une façon souvent utilisée lors de la préparation d’une exposition portant sur une thématique. Un des avantages de cette stratégie est d’approfondir la connaissance du sujet choisi.

Raynald Murphy sca

CAUGHT ON CAMERA PAINTING! – Tips and Suggestions for Outdoor Painting

2010-01-14T16:56:00.007-05:00

"The best thing about painting outdoors is that all of your senses are alive and active" Mel Stabin*

Leave painting gear by the door

The key to painting or sketching outdoors regularly is having your supplies always ready to go at any moment. I have a variety of back packs that I leave visible in my studio at the ready. Some are partly filled and some are empty. Even better, I leave some by the front door.

Bringing less is more

The greatest deterrent to getting out the door to paint is thinking that one needs to bring a lot of painting supplies. I have seen students bring almost every item from their studio. I soon realized when I started working outdoors years ago that it is more important to observe, draw and paint than to return home with a finished product. If I come back with a watercolor ready to be framed then that is an added bonus but not a necessity. I paint outdoors because I enjoy the “process”. Bringing only the bare necessities gets me out the door more often.

Working close to the ground

I’ve been “caught on camera” painting in various places and situations. Because I love plein air painting and sketching, I am not likely to be deterred by weather conditions unless they are too severe. I prefer sitting as close to the ground as possible whenever I paint. I place my palette, water container and brushes on the ground. This eliminates the need for a table.

Tips on painting and sketching outdoors

1. When painting in the woods or by a lake, always bring bug spray with you.

2. Simplify the size and amount of equipment when working in the city. Work on smaller format paper or canvas. There is an advantage to sitting low to the ground – no table needed.

3. When cold, a good wind-proof shell or jacket is a must. Set your back to the wind and you’ll survive seemingly cold temperatures.

4. It isn’t necessary to always sit on a stool especially if sketching. Get used to getting the “bare bones” of the drawing down fast – the important lines. Then, retreat to the comfort of your car to complete the sketch or painting if necessary.

5. Although it is sometimes complicated to install a painting umbrella, it is well worth the trouble to avoid painting in direct sunlight.

6. On most hiking trails you will be able to find a ramp or a fence to rest your sketch book on.

7. There is usually a scene waiting to be painted from any wharf. However, it is usually windy by the shore so stay low.

8. The opportunity to boat to a painting location is truly one of most wonderful of gifts for the outdoor painter.

9. Everything is paintable. Challenge yourself to draw or paint animals on site when possible. If they move, start another, then another…

10. Sit by a country road and you will most often see an instant composition. The road creates a natural passage into the composition. Protect your eyes with sunglasses when necessary.

11. A rock ledge makes for a good seat for sketching. However, bring along a small pillow if you intend to stay for any length of time.

12. While waiting for the ferry to depart, sketch. Draw kneeling if that is where the best view point is. Get down the essentials and finish the sketch/painting on the boat from memory.

13. My friend Helmut and I were permitted to paint inside the Alcan refinery but we had to wear hard hats. A head cover of any kind is a must for the outdoor painter.

A picture is “worth a thousand words”

I hope these suggestions will motivate you to go out and paint/sketch whenever and wherever if you are not already in the habit of doing so. Plein air work is what infuses my paintings and drawings with feeling. When done frequently I am convinced that on site work develops one’s personal style.

Raynald Murphy sca

* Quoted from WATERCOLOR Simple, Fast, and Focused

CONCERT DE MUSIQUE - UNIVERSITÉ McMASTER, HAMILTON, ONTARIO – Stratégies de dessin

2010-01-03T22:35:00.013-05:00

http://www.mcmaster.ca/

Différents objectifs

Voici trois dessins que j’ai récemment faits à un concert*. J’ai dessiné le premier au crayon de marque Cretacolor Nero soft. La forme du chef d’orchestre est rendue plus foncée et détaillée. Donc elle domine les autres formes qui sont plus pâles et en aplat. J’ai esquissé le deuxième au stylo feutre et j’ai rendu les valeurs par des hachures. Ici les musiciens sont les vedettes. Donc, le chef d’orchestre, l’audience et le piano sont simplement délimités par le trait. Pour le troisième dessin je me suis placé plus à l’avant de la salle afin de rendre en gros plan quelques membres de l’orchestre. J’ai intégré les musiciens, le chef d’orchestre et l’audience dans le décor en utilisant diverses techniques.

L’exercice du dessin

Dessiner à un concert peut être très plaisant, mais parfois frustrant. Par exemple, si l’éclairage est trop faible on ne peut pas voir ce qu’on dessine. Parfois on peut être placé dans un endroit où les musiciens sont peu visibles. Finalement, il faut s’assurer d’être discret afin de ne pas nuire à ses voisins ni par le bruit ni par le mouvement.

La salle de concert

Selon mon expérience, les salles de concert les plus propices au croquis sont celles qui sont multifonctionnelles où les fenêtres laissent pénétrer la lumière. Par exemple, j’ai esquissé ces dessins en novembre dernier, le jour, dans une telle salle. Donc, il est préférable de dessiner dans une salle éclairée soit par la lumière du jour ou par un éclairage artificiel. Il est difficile d’esquisser dans un auditorium sombre.

Choix de siège

J’aime m’assoir à l’avant autant que possible. Ceci me permet de dessiner plus facilement les membres de l’orchestre. À l’entracte, je tente de me déplacer afin de varier mon point de vue. Le hasard joue alors beaucoup. Quand les conditions le permettent j’aime bien dessiner les musiciens de face, de dos et même de trois-quarts.

Planification mentale

Avant de commencer je passe quelques minutes à observer intensément. Je fais un choix mental de mon centre d’intérêt et de mon message visuel. Par exemple, au deuxième dessin je voulais d’abord mettre en évidence les musiciens au lieu du chef d’orchestre. Voilà pourquoi j’ai simplifié la forme des autres éléments. Je planifie aussi la durée de mon esquisse en consultant la programmation.

Outils et carnet

Je taille mes crayons à l’avance et je les place dans un étui lié à ma ceinture. De cette façon je limite mes mouvements afin de ne pas distraire. Je choisi de dessiner dans un carnet de dimension moyenne pour ne pas attirer l’attention des gens autour de moi. Finalement, j’esquisse sur un papier lisse sur lequel le crayon glisse sans bruit.

Une invitation

À partir de ces suggestions, je vous invite à apporter avec vous crayons et carnet de croquis lors de votre prochain spectacle musical. Vous serez doublement enrichi autant par la musique que par le dessin.

Raynald Murphy sca

* Les dessins ont été croqué le 22 novembre 2009. Le Wütrttemberg Chamber Orchestra de Heilbronn, Alemagne et le Gryphon Trio, Piano Trio de Toronto ont présenté entre autre une nouvelle composition de Paul Frehner intitulé Berliner Concerto. Cette pièce est inspiré de l'écroulement du mur de Berlin.

A TRIO OF SPRING LANDSCAPES NEAR LONDON, ONTARIO – Painting a simple subject in a vignette style

2009-12-21T22:59:00.005-05:00

“In no process that I know of – least of all in sketching – can time be really gained by precipitation.” From The Elements of Drawing by John Ruskin

Finding a motif in farm country

Recently as I drove north of the town of London, Ontario I came upon wonderful vintage farm structures on Five, Six or Seven … Mile Road. I found tightly-knit clusters of trees, bushes, fields and buildings silhouetted against a plain skyline just waiting to be sketched and painted.

Varied shapes, denuded trees in late November

The varied shapes of houses, deciduous and evergreen trees contrasting against a plain background were begging to be painted. I find it easier to represent the intricate forms of trunks and branches at this time of the year especially because deciduous trees are leafless.

Nature’s muted colors are at their best in late fall

Summer is not my favorite painting season mainly because I do not like the stark redundant greens of the season. I prefer landscape painting either in the spring or fall right up to the first snow fall. Then I retreat to the comfort of a warm studio. Although the air can be quite cool in November and not practical for outdoor work I usually work from my car when possible.

Choice of paper is relative to the situation

“Once you have mastered basic watercolor techniques using one kind of paper,” I tell my students, “experiment with different papers. Choose one that suits the subject matter before you.” For these subjects I chose Strathmore Aquarius II paper – a very white paper - for two reasons. First, the skies were quite white resembling the pure white of Aquarius II paper. Secondly, I wanted to draw the subject in ink. Its smooth surface is ideal for ink work.

Drawing directly with a waterproof Indian ink pen

I outlined the forms directly in ink with no preliminary pencil drawing knowing that the drawing could not be altered or erased. Following John Ruskin’s advice, I did not precipitate or rush the drawing phase but observed intensely and measured mentally before putting down any line on the paper. When painting from the motif at this time of year in northern latitudes the sun is low on the horizon for long periods of time. Therefore, the quality and intensity of light will change little over a long period, an advantage to on site work.

Invention and choice of “vignette” style for these

In reality, there were no roads, paths or fields leading into the picture in these three scenes. I invented them to let the viewer enter visually. The vignette style, where one does not paint right up to the borders, allows one to focus more on the center of interest - here the area around the buildings. Finally, I wanted these watercolors to have the feel of a drawing. Therefore, I left a good portion of the paper untouched like in a sketch.

Simple subjects sometimes produce best results

Sometimes, it is while painting simple small formats subjects that I find greater pleasure. I was quite satisfied while I painted these and also with the result. Why not try painting a similar subject in your area? You might also enjoy it.

Raynald Murphy sca

STE-ROSE-DU-NORD – Une démonstration sur le motif

2009-12-14T11:49:00.000-05:00

Le village pittoresque Ste-Rose-du-Nord et le Saguenay est une région très souvent visitée par les peintres figuratifs. Voici les étapes parcourues lors d’une aquarelle peinte en direct. Elle représente le village tel on le voit à l’arrivé. J’espère que cette démonstration saura vous motiver autant à visiter cette région du Québec qu’à peindre sur le motif aussi souvent que possible.

1. J’esquisse d’abord les formes principales sur du papier d’Arches rugueux, format 15 po. par 22 po. Je dessine avec un crayon graphite HB ou 2B afin de bien voir les marques par une journée ensoleillée. Au préalable, la feuille avait été trempée dans l’eau et brochée sur une planche afin qu’elle reste plus tendue lors du travail.

2. Je peins d’abord le ciel mouillé sur mouillé. Sans attendre que le papier sèche, je peins la montagne de l’autre côté du fleuve avec des teintes froides tout en fusionnant le sommet dans le ciel encore humide pour une transition douce entre ciel et montagne. Avant de peindre le fleuve d’un mélange de bleus, je réserve une mince lisière de papier non peinte entre la montagne et le fleuve afin de traduire l’éclat de lumière. Pour représenter la direction de la lumière je peins d’un gris-bleu les ombres portées des bâtiments blancs ainsi que les toits.

3. Des teintes d’orange et de jaune sont déposées intenses mais diffuses sur le flanc des deux montagnes au plan moyen. Je laisse sécher ces lavis. Un avant-plan aux couleurs chaudes suggérant du foin en mouvement est peint mouillé sur mouillé. Cette bande floue et pâle contrastera avec les champs de couleurs plus foncées qui seront peintes plus tard.

4. Les deux collines sont peintes mouillé sur mouillé. Le blanc du papier ici et là ainsi que le flou du mouillé pâle représentent lumière et atmosphère. Les orangés et les jaunes de la couche précédente paraissent maintenant à travers les verts et les bleus déposés par-dessus. Les couleurs les plus intenses, les contours tranchés ainsi que les formes les plus variées sont peintes autour du centre d’intérêt qui se situe dans la vallée près du fleuve.

5. Les lisières des champs sont peintes l’une après l’autre mouillé sur sec sans qu’une section ne fusionne dans l’autre. Je tente de représenter la mosaïque du paysage par cette technique. Les poteaux pâles des clôtures sont contournés et seront peints plus tard.

6. Les poteaux de clôtures et d’électricité non peints contrastent contre les formes horizontales des champs. Ceux-ci seront peints en studio en dégradé du pâle au brun foncé.

7. Seulement quelques touches sont ajoutées à cette phase. Je réalise que l’éclairage a bien changé depuis le moment où j’ai commencé à peindre. Il est donc inutile de continuer sur place et il est préférable de terminer en studio. J’ai en mémoire le paysage et mes intentions.

Je doute que j’aurais pu interpréter la scène aussi bien à partir uniquement de la photo. Il aurait été très difficile de représenter aussi facilement le coloris, les détails et surtout le sentiment ressenti. Même si on se sent parfois inconfortable, le travail sur le motif permet souvent un résultat supérieur à celui en studio et ce à divers niveaux.

Raynald Murphy sca

GROUP OF SEVEN SKETCH BY LISMER AT MUSEUM LONDON – How I sketched members of la Société canadienne de l’aquarelle like Lismer

2009-12-04T14:51:00.008-05:00

Museum London

Museum London (Ontario) has received an important Group of Seven artwork for its permanent collection. The London Free Press mentions that the untitled sketch on paper in charcoal and pencil was done by Lismer in 1930. Reporter Rumleski says: “Think about artists going out into the natural world and doing sketches. Typically, we don’t put as much recognition on the sketch as we do on the larger piece.” The present show hopes to turn this around by showing that this sketch and others are actually major pieces.

Drawing at a meeting of the SCA

Like Lismer in 1930, artists Helmut Ronacher, Luigi Tiengo and I, members of la Société canadienne de l’aquarelle, likewise drew sketches of our friends at our annual meeting on November 14th. I have posted some of mine here. Maybe many years from now when we are no longer here our “meeting sketches” will also be considered “major pieces” as is Lismer’s sketch today!

Draw while you listen

Most meetings are listening affairs so I have realized that I can practice portrait drawing while I listen. At meetings most people face forward, are attentive and stay relatively still. This gives me the opportunity to draw various facial views depending where I am sitting.

Seating around a table

If members are seated around a table, then it is more difficult to draw participants discretely. In such cases I will revert to drawing small portraits in the margins of distributed papers. Also, I will try to sit as far away from the board members as possible. This gives me a better view of most members.

Seating auditorium style

The type of arrangement where board members are seated at a table facing the assembly is ideal. Arriving early I will try to sit at the back of the room. This permits me to look diagonally across the assembly and the chance to draw profile or near profiles.

Choice of sketch book

I prefer to draw these “meeting portraits” in a bound sketch book rather than in a spiral book. Drawing in a spiral book tends to draw attention because the format signals sketching. Size matters here. A smaller book is preferable because it is less visible and it can be manipulated easier. I recommend a format not larger than 5 in. by 7 in.

Choice of drawing tools

Nero or Derwent pencils are my preferred pencils. I also sketch with graphite pencils, a thin felt marker, soluble ink pens or other tools but the advantage of these pencils is that they render values from very light to black. These composite pencils are available as very soft, soft, medium and hard. They are also available in sepia and sanguine tones. However, you will have to experiment and see what suits you.

Pencil sharpening

I have drifted away from sharpening my pencils with a mechanical sharpener for two reasons. Firstly, sharpeners tend to “eat away the lead” especially the softer leads. Sharpening pencils with an x-acto type blade produces a sharper and more elongated point. I can thereby shade more easily with the side of the pencil. To further sharpen the pencil end I rub the tip on sandpaper.

The next time you are at a meeting why not sketch. It might become wonderfully addictive as it has for me not to mention that your drawings might also have “value” one day!

Raynald Murphy sca

LE MODÈLE NU – Stratégies de dessin du physique masculine

2009-11-17T22:02:00.005-05:00

Le dessin du nu masculin présente généralement plus de difficultés que le dessin du modèle féminin. Le dessin de la femme présente à l’artiste plus de facilité en raison de son galbe plus prononcé. Le changement de direction des courbes est plus radical, donc plus facile à percevoir et à rapporter sur la feuille. L’homme, sauf celui très musclé, nous offre beaucoup moins d’ondulations et par extension moins d’ombres portées, donc plus de difficultés à dessiner.

Voici certaines suggestions :

1 Pose allongée

Afin de rendre cette pose allongée, je place des points à la limite des courbes et dans les vallons. Ces marques ainsi que certaines lignes imaginaires m’aident à déterminer la dimension des parties du corps. Je visualise aussi des formes négatives (illustrées en couleur) qui m’aident à rendre avec justesse les ondulations. Au lieu de commencer le dessin par la tête, je choisis de dessiner d’abord le corps. Je juge que c’est plus facile d’étudier, de dessiner et d’ajuster si nécessaire la dimension et l’angle correct de la tête une fois que les autres parties du corps sont dessinés.

2 Vue de dos

Pour cette pose je trace des lignes verticales et horizontales dessinées à partir de marques sur le papier. Ces lignes forment une grille imaginaire sur laquelle je peux placer les courbes ondulantes du corps. Le deuxième élément qui m’aide à bien dessiner le modèle est de rendre par des hachures les plans plus foncés du corps au fur et à mesure que le dessin progresse. Celles-ci sont identifiées par des cercles dans l’illustration.

3 Modèle à genoux

Dans cette pose j’aperçois trois triangles imaginaires mais importants qui me servent de structure géométrique sur lequel je construis le dessin. Ensuite, je fais une étude précise des ondulations répétitives surtout du dos, des fesses et de la tête. Je tire même plusieurs lignes guides qu’on perçoit encore dans le croquis. Ces traits, par exemple ceux entre le bras droit et la jambe droite, m’aident à placer la limite du coudre et du genou.

4 Pose debout en trois quart

Au lieu d’utiliser une grille construite de lignes imaginaires verticales et horizontales tel je l’ai fait à la deuxième pose, j’imagine des lignes obliques parce que celles-ci suivent le mouvement du corps. Au fur et à mesure que je construis le dessin je place des points sur ma feuille à l’endroit où une ligne change de direction. Puis, je joins ces lignes qui parfois courbent selon la forme observée. Lorsque je prolonge certaines lignes imaginaires je remarque qu’elles servent à déterminer d’autres points critiques. Par exemple, une de ces lignes relie le coude gauche, le dessous du bras, les mamelons et la partie dessous le bras droit. Finalement, je fonce l’ombre par des hachures. Ceci crée un contraste entre l’ombre et la lumière, ce qui donne l’illusion de volume.

5 Pose expressive

Je suis attiré par le regard intense du modèle ainsi que l’arête vive à l’épaule et la position des mains. Je consacre donc plusieurs minutes à bien étudier et a bien dessiner ces formes. Parce que cette section est dessinée correctement, elle me sert de mesure pour le reste du dessin. L’ombre portée qu’on retrouve sous son bras ainsi que les valeurs plus pâles ailleurs identifient assez bien la musculature du modèle.

Un dernier conseil qui me sert lorsque je dessine un modèle masculin peu musclé est celui-ci : j’exagère les courbes, les arêtes et les creux tel le faisait Michel-Ange et plusieurs des grands maîtres. Il s’agit simplement de consulter l’œuvre grandiose de la chapelle Sixtine pour s’en convaincre.

Bon dessin du nu!

Raynald Murphy sca

SKETCHBOOKS – “Drawing Everything is Useful” – Adolf Menzel

2009-11-06T21:25:00.009-05:00

Adolph Menzel (1815-1905)

“In his overcoat he had eight pockets that were filled with sketchbooks, and he couldn’t accept that there was an artist who made the slightest errand without a sketchbook in his pocket.” A friend of Menzel. The great German artist Adolph Menzel is generally regarded as the country’s greatest 19th-century painter.

Sketchbooks follow me everywhere

Although I don’t fill eight of my pockets with sketchbooks when I make an errand, I will admit that I usually carry one in my breast pocket and a tiny one in my back pocket. When I go downtown I slip on a belt purse in which I insert a small sketch book and various drawing tools. I also leave sketchbooks handy in the car and at home.

Three different uses of drawings

John Berger, in a 1987 essay titled Drawing on Paper suggests that there are three different ways in which drawings can function: “those which study and question the visible, those which put down and communicate ideas, and those done from memory.” The author then elaborates: “The first kind …at one time were called studies…such drawings do not date, for the act of concentrated looking …has changed very little”. Secondly, the drawings that communicate ideas often were or are sketches or working drawings for paintings. Finally, the most important memory drawings are those which “exorcise a memory which is haunting …and put it on paper”.

Drawings or sketches are unlike paintings

As an avid sketching artist, whenever I visit an exposition such as the one currently on at the Montreal Museum of Fine Arts, consecrated to John William Waterhouse, I am always anxious to get to the last room where sketchbooks and drawings by the artist are usually displayed. I like to “see what was in the exhibiting artist’s mind during the sketching phase.” Paintings don’t necessarily show this. On the same note, I always find it curious when a seasoned artist tells me he or she does not sketch, or does not need to. I am of the opinion that sketching for any of the three reasons mentioned above keeps an artist from “repeating himself” or from “staying in the box”. Sketching, among other things, is a way for the artist to question himself or herself, to explore new avenues. These explorations often are then reflected in the artist’s paintings.

The secret is the paper

There is a difference between drawings and paintings claims Berger. “A drawing … when it is sufficiently inspired …acquires another temporal dimension. The miracle begins with the basic fact that drawings, unlike paintings, are usually monochrome. Paintings with their colors …compete with nature. They try to seduce the visible, to solicit the scene painted. Drawings cannot do this. The virtue of drawings derives from the fact that they are diagrammatic. Drawings are only notes on paper.”

A good habit to get into

“If you get into the habit of sketching you will never be bored” says Joanna Nash, artist, teacher, mentor who strongly influenced me to carry a sketchbook wherever I go. I invite you to do the same if you don’t already do so.

Raynald Murphy sca

LA MAISON CANADIENNE A SERVI DE MOTIF - Les huit principes du design selon Edgar Whitney

2009-10-29T20:53:00.005-04:00

Peindre sur le motif

Le désavantage de la peinture sur le motif est que la lumière change très rapidement. Par contre la peinture en direct nous oblige à composer avec nos premières impressions et nos émotions. Donc, contrairement à la peinture uniquement d’après photo, nous devons peindre plus par intuition étant donné le peu de temps qui nous est alloué. Parce qu’elle est plus réfléchie, la peinture d’après photo peut parfois avoir l’allure d’une copie de la scène au lieu d’une interprétation.

Une démonstration

J’ai peint cette scène lors d’un atelier en plein air. La photo de la maison a été prise à titre de référence. Donc je ne m’y suis pas référée lors de la démonstration. Je l’ai peinte partiellement en direct et partiellement à l’intérieur, de mémoire. Le but de la démo était en partie de montrer comment on peut changer des éléments afin de personnaliser le sujet selon certains principes de composition.

Divers éléments modifiés selon les principes du design

Les huit principes du design - unité, conflit, dominance, répétition, alternance, balance, harmonie et gradation - tels que l’enseignant américain de renom, Edgar Whitney* les expliquait m’ont été utiles afin de modifier certains éléments :

1. Les fenêtres, les pierres et l’ombre portée : Je trouvais la disposition régulière des six fenêtres trop statique. J’ai donc alterné l’espacement entre elles et j’ai varié la largeur de certaines. J’ai décidé de rendre certaines pierres de la maison plus dominantes que d’autres. Une ombre portée sous la corniche a été ajoutée en imaginant un éclairage éblouissant pour amener une variation.

2. Les lucarnes, le ciel et l’arbre : Parce que le ciel, en cette journée, paraissait aussi blanc que les toits des lucarnes, ni un ni l’autre ne dominait. J’ai donc crée un conflit dans un ciel bleuté en introduisant des nuages. Le rebord blanc du toit et des lucarnes contrastent maintenant contre le ciel. J’ai alterné la valeur du feuillu de l’arbre de gauche tout en unifiant la masse.

3. Les arbres, l’arrière-plan et le gazon : Les verts se ressemblaient tous. J’ai donc alterné les verts en introduisant du bleu, du jaune et du brun dans le mélange en variant la quantité d’eau et de pigment dans mon pinceau. On remarque maintenant un conflit et un dégradé dans les verts.

4. L’avant-plan, le côté de la maison et le sapin : Le palier de gazon vert neutre et uniforme à l’avant empêchait une ouverture dans la scène. J’ai donc inventé des espacements en peignant en style « vignette ». Ceci a crée de l’unité. Les blancs du papier permettent maintenant l’entrée dans le tableau à divers endroits. J’ai peins le sapin de droite d’un vert très foncé devant une façade plus pâle et floue. Il y a maintenant un conflit favorable ainsi que de l’alternance, de la variété et de la dominance entre les arbres.

Soyez conscients de ces principes en conjonction avec les sept éléments du design – la ligne, les valeurs, la couleur, la texture, la forme, la grandeur et la direction – los de la «construction » de vos tableaux. Whitney disait que « les amateurs peignaient des tableaux, mais les professionnels bâtissaient des œuvres avec ces briques de connaissances. Ne pas s’en servir était semblable à un coup de dé.»

Bonne peinture en direct.

Raynald Murphy sca

* Learn Watercolor the Edgar Whitney Way par Ron Ranson

WATERCOLOR PORTRAITS – Rendering expressively the essential features

2009-10-03T15:47:00.002-04:00

Ten 20 minute portraits

As a member of la Sociéte canadienne de l’aquarelle I was invited to paint at the Montreal Museum of Fine Arts September 27th. I painted ten head portraits in an afternoon spending approximately twenty minutes on each. Painting quickly but precisely teaches one to zero in expressively on the essentials.

Three-quarter lighting

The model sat facing me at eye level. I set up three-quarter lighting from above and to one side of the front of the head. The lighting cast strong diagonal shadow shapes defining the features. The model was asked to stare at a fixed point away from me so that both of us would not be distracted.

The materials

Isabey Petit Gris natural hair brushes nos. 2/0, 1, 3 and 7; Isabey Kolinsky nos. 6 and 8; a folding metal Holbein palette; Holbein, Sennelier and Windsor & Newton pigments; Strathmore Aquarius II paper. Ultramarine Blue Dark, Burnt Sienna, Gold Ochre, Permanent Alizarin Crimson and Payne’s Grey tube pigments.

The procedure

With a 2B pencil I outlined the main feature shapes in five to seven minutes. Starting with the eyes, I precisely defined the shape of the pupil, eye shape, eye lid and the form of the shadow cast by the eye sockets. I then estimated the placement and shape of the nostrils from shadow shapes clues. A faint pencil line was drawn down the center axis of the nose to decipher its shape and limit. I concentrated on the shapes of the shadows more than the features. The same procedure applied to the chin and neck shapes.

Use an imaginary grid as a help

When painting a frontal portrait one can imagine a grid across the face. The limits of the mouth usually fall immediately below the pupil of the eye and the wings of the nose more or less align with the inner corner of the eye. The top of the ear is usually level with the eyes while its length is particular to the individual. Finally, I usually locate the length of the neck by drawing an imaginary horizontal line at the chin.

Concentrate on the peculiar

There are certain features and shapes one must render correctly in order to describe the peculiarity of the sitter. These are: the unique shape of the eyes and eyebrow area; the particular shape and length of the mouth including the width of the lips; the ovals of the nostrils; the correct angle of the chin/jaw; and finally the width, length and angle of the neck. The distance between the top of the cranium (not the hair) and the eyes should never be shorter than the distance between the eyes and the chin.

Final considerations

When painting in watercolor in one go it is especially important to know when to stop because it is almost impossible to make corrections especially in a loose watercolor rendering. Sometimes one stroke too many will cause the portrait to fail, so it is better to say less than to overdo. When I start hesitating that is usually my clue to stop. Finally, in order to add contrast or to connect the model to the edges of the paper I sometimes add background shapes.

Portrait night

With these tips in mind why not ask a friend or family member to pose? Aim for process rather than product; see shapes rather than features and your chance of success will increase a hundred fold. If you live in the Montreal area and wish to join my artist friends and I at Portrait night on Monday nights contact me at raynaldmurphy@hotmail.com for details.

Raynald Murphy sca

DESSINER DE L’INTÉRIEUR D’UNE AUTO EN MOUVEMENT – Suggestions et stratégies

2009-09-28T11:47:00.005-04:00

Un défi stimulant!

Que faire lorsqu’on est en auto et qu’on n’est pas le chauffeur? Dessiner, bien sûr! C’est ce que j’ai fait récemment lors d’un voyage Montréal – London, Ontario. L’autoroute 401 est belle, mais le paysage est ennuyant. Afin de me divertir et de m’exercer j’ai dessiné et peint les véhicules que nous suivions.

Stylo feutre et aquarelle

Je pratique ce genre de dessin pour le pur plaisir et non pour le résultat. Bien sûr mes traits ne sont pas très précis à cause du mouvement du véhicule. J’ignore cela. C’est le processus qui m’amuse par le processus. Je préfère dessiner en auto au stylo feutre plutôt qu’au crayon parce que la marque est plus visible et directe qu’au graphite. Le crayon feutre permanent me permet d’ajouter plus facilement de la couleur à l’aquarelle. Parfois je peins sans un dessin préalable.

Les roues d’abord

Une fois que j’ai ciblé le véhicule que je vais croquer je commence à dessiner les roues sur le pavé estimant la distance entre celles-ci. Sans tarder, j’esquisse la forme du véhicule qui nous précède avant que nous le perdions de vue. Si l’auto ou le camion n’est plus dans mon champ de vision, je compose et j’invente les éléments manquants.

L’illusion de la perspective

Aussitôt que je décide quel véhicule je veux dessiner, je place mon cahier à la verticale sur mes genoux. J’aligne mon stylo le long des barres blanches peintes sur le pavé et je transfère ces obliques sur ma feuille. Elles convergent au niveau des yeux. J’observe avec intensité le paysage qui passe et j’invente « le mien » d’après ces images furtives. L’imprévisible fait parti de ce jeu. Je place des marques intuitivement et automatiquement selon les stimuli.

L’évolution du dessin

Il ne faut pas tenter de figer une scène imaginaire toute composée d’après les éléments vus et d’essayer de la reproduire de mémoire. Le plaisir et le défi de l’exercice est plutôt de partager son attention autant sur la route et le paysage que sur sa feuille. Donc, la faute serait de baisser la tête à un moment, d’ignorer ce qui se passe devant soi et de terminer le dessin de mémoire. Ceci serait aller contre le but visé qui est de composer et d’ajuster la composition selon les éléments aperçus le long du trajet. L’œuvre est toujours en évolution jusqu’à ce je décide d’en commencer une autre.

Processus plutôt que produit

C’est certain que si vous tentez cet exercice, les premières vous sembleront frustrantes. L’inconfort de balancer son carnet sur les genoux et le mouvement non seulement du véhicule mais du sujet vous sembleront peut-être insurmontables. Persistez! Tentez d’entrer dans une « bulle de processus » et non de produit. Ne vous attardez pas sur la précision. Observez et intégrez ce qui se passe dans votre vision. Essayer de comprendre la structure des véhicules et du paysage passant. Et surtout, n’effacer et ne rayez rien!

Bonne route!

Raynald Murphy sca

THE RODDICK MEMORIAL GATES, McGill University, Montreal – Planning is the Key to Success

2009-07-30T15:32:00.007-04:00

The time you think you need versus the time you actually need.

A favorite painting subject, the Gates at the entrance to McGill University, was painted in thirty minutes. “Most people do not paint to deadlines, unless working on a commission. The natural inclination is to take all the time you have at your disposal, and there may appear to be no reason not to. But the time you think you need, compared to the time you actually need, may be quite different.” Gerald Green in The Artist magazine, May 2009.

Sketching in ink immediately

Sometimes fast is better and this was the case as no sooner had I sketched in the figures in ink standing in front of the gates that the students left and returned just as I was finishing the painting. The advantage of sketching the bones of a scene in ink is that the permanency of ink influences one to simplify and draw precisely. With a brush and pan watercolors I loosely added colored shapes using the line drawing as a guide.

How I approach “field work”

I feel it is important before starting to know clearly what one intends to do. Some questions I ask myself are: How long do I intend to paint the scene? Will I be disturbed where I stand or sit? What format should I use? What should I draw first? Should I paint a vignette or fill the whole page? Where is the light source? And finally, what attracted me to paint or sketch the scene?

I design mentally

For many years I drew preparatory “thumbnail” sketches. Now, I prefer to design mentally especially when painting a scene including the people or vehicles which can move away. Spending too much time on a preliminary small sketch might mean loosing precious time. There is no right or wrong way to plan before starting a painting. However, it is important to have a “plan” whether mental or on paper and to stick to it. In other words, be confident, have faith in your idea throughout.

Directing the viewer into the picture

It is important to lead the viewer into the scene. The two white lines painted on the pavement at bottom left point to the people walking towards us. They in turn direct us towards the group of blue figures. The horizontal beam of the gate at right directs us to the cluster of balloons which send us back to the figures. The base of the clock tower is at the center of interest. Finally, the posts at left prevent us from “walking” off the scene.

Suggest, don’t say everything

It is important to be selective and leave room for the viewer to interpret. Here, subtle contour lines of heads and spots of light suggest the interaction of students. The unpainted whites in and around the blue shirts suggest arm and hand position. The yellow spots of paint at right suggest objects or food on the table. I have hinted at architectural details here and there. Finally, the foliage is represented by loosely placed dabs of green, blue and yellow paint.

Strategically plan your whites from the start

Watercolorists know that it is very important to “plan” whites. If the whites are mistakenly painted over it is very difficult to go back and retrieve them. I made sure I carefully painted negatively around the white shapes – the tents, one side of the clock tower, the lamp post, the white street signs, the lines on the pavement, and the whites around the people.

Like athletes, artists should visualize

The next time you see a group of people standing around interacting why not draw them quickly before they disperse. If you mentally visualize the key elements before starting then you are planning for success. Athletes visualize before performing. Artists should do likewise.

Raynald Murphy sca

SCÈNES DE TROIS-RIVIÈRES, QUÉBEC – Composer avec des formes blanches

2009-07-12T22:39:00.007-04:00

Douze formes variées

Jeanne Dobie, dans son livre, Faire chanter la couleur à l’aquarelle, dit qu’une œuvre est composée solidement par la structure et non par la technique. Une fois que vous avez choisi la scène à peindre, ajoute-t-elle, extrapolez les douze formes principales. Donc, lorsque je compose une œuvre je recherche ces formes importantes. Ensuite, je lie ces formes selon leur valeur comme des morceaux d’un casse-tête.

L’importance de laisser du blanc

Pour l’aquarelliste la forme blanche est très importante. Au lieu de peindre le blanc à l’aquarelle on réserve plutôt le blanc du papier pour ensuite peindre la couleur. Le blanc non peint est la lumière. Donc, il est essentiel pour l’aquarelliste de bien identifier les blancs dès le début. Si ces morceaux ou formes blanches sont stratégiquement bien intégrés, l’œuvre a une meilleure chance d’être réussie.

La rue aux pignons

J’ai tenté ici de bien intégrer les formes blanches à des endroits stratégiques parmi celles colorées. Parfois le blanc dans le motif choisi se retrouve dispersé parmi la couleur. Par exemple, dans la rue aux pignons j’ai dû lier les toitures blanches avec le cadrage blanc des fenêtres. L’auto blanche est liée avec les formes du trottoir et de la rue. Du côté gauche j’ai lié les marches blanches de l’escalier au trottoir et au rebord vertical.

La maison rouge aux lucarnes

Encore une fois ce qui m’a attiré à peindre une vignette de cette maison rouge ce sont les blancs qui l’enveloppaient. J’ai donc peint autour de tous les blancs tentant de lier les formes blanches afin de créer des formes variées. Si vous comparez l’aquarelle à la photo vous verrez que j’ai changé ou même éliminé certains éléments afin de construire une œuvre plus intéressante et lisible en liant les masses de même valeur ensemble – autant celles colorées que les formes blanches.

Les parasols blancs

Ici je suis au centre-ville de Trois-Rivières. C’est un sujet assez complexe à peindre. J’ai simplifié la composition en pensant forme et non détail. Je lie ensemble les formes triangulaires et variées des parasols blancs, du mur blanc du bâtiment et du trottoir blanc. Je fais ceci en peignant en négatif autour de ces formes.

Formes blanches

En résumé, souvent ce qui m’attire à peindre une scène ce sont les formes blanches d’un sujet. Je structure mon aquarelle autour de ces formes blanches.

Raynald Murphy sca

Note : Le 20 juin dernier j’étais accompagné de chaleureux trifluviens à un atelier plein air.