A VIGNETTE - THROUGH THE FOLIAGE – Rivière des Prairies, Montreal

The sketch or idea

I passed by this house often as I rode the bike path along the shores of Rivière des Prairies (The Back River). This white clapboard corniced house sits at the foot of Berri Street. One day in 1999 I sketched it.

A few years later I used this drawing as a motif for a watercolor demonstration at Ogilvy, Montreal. I felt this sketch was a proper choice for a vignette because it satisfied to a certain extent Edgar Whitney’s “rules” for a good vignette.

Rules for painting a vignette according to Edgar Whitney

1. The white space has to be designed with equal care as the painted area.
2. The touched (painted) area should constitute 60 to 70 percent of the white paper.
3. Out of the 360 degrees of the outer edge of the painting, 60 degrees should consist of an amorphous or soft edge, while the remaining 300 degrees of the edge should consist of hard-edged things.
4. The edge of the paper should be touched in three places but not over too long a measure.
(Learn Watercolor the Edgar Whitney Way by Ron Ranson)

How I painted the vignette

First I painted a quarter sheet color study using my sketch as reference. Then, I transferred the drawing onto a half sheet. The white foreground flowers were masked with liquid drawing gum. Next, I laid a light gray mixture of Cobalt Blue, Burnt Sienna, Rose Madder and Ultramarine Blue Deep over the shaded right side of the building. I painted around the white overhangs letting the colors mix on the paper.

After thoroughly drying the area, I painted the darker gray undersides of the overhanging cornices and boards. The window panes were painted with a dark blue/brown mixture. The board slats in the shade on the sunny side were painted with the same gray mixture as mentioned above. I took great care to leave a crisp hard white edge at the corner of the building.
In order to paint the foreground orange tree foliage I wet the paper randomly and then dropped alternately Raw Sienna, Burnt Sienna, Raw Umber and Ultramarine Blue into the wet areas. I used a rigger to drag the wet paint in between the foliage shapes in order to indicate branch shapes. It was important to leave a number of varied unpainted white shapes in between the branches and foliage. I diffused and muted the colors near the edge of the paper to create a soft edge as mentioned by Whitney.

The grass and flower area below and in front of the house were painted in much the same way as the orange foliage with the exception that I made sure to introduce a lot of dark deep blue purple around the masked white flowers. Once the foreground foliage was dry and the liquid drawing gum removed, I painted the undersides of the white flowers gray-blue. About one sixth of the edges of the paper now consisted of hard-edged leaves and flowers.

Completing the watercolor vignette according to the “rules”

I wanted the white house to really stand out so I opted to paint the sky and blue background foliage near the house wet in wet. However, since I intended to achieve high contrast next to the shaded part of the house I did not pre-wet that surrounding area. Rather, once the wet diffused area was laid in, I worked dry on dry painting away from the house and letting this intense blue mix into the wet foliage. I felt I had left approximately 40% or so of the white paper untouched, conforming to the master’s “rules”. I’m not quite sure if Edgar Whitney would say that the edges of the paper had been touched in only three places but I felt the painting was a success. The watercolor is now in the collection of Laurette Blouin.

Simple subjects, sometimes found just around one’s home, often provide good vignette motifs. Why not try painting a vignette yourself?

Raynald Murphy sca

LA NATURE MORTE AUX OIGNONS

Pourquoi commencer par peindre des objets

Lors de mes études à l’Université le professeur Leslie Coppold RCA enseignait le dessin et la peinture à partir de la nature morte. Nous devions dessiner des objets variés qu’il installait sur une table. Plus le cours avançait plus il plaçait une diversité d’objets.

Je ne m’étais jamais questionné sur sa méthodologie jusqu’à tout récemment. Trente ans plus tard moi aussi je devais enseigner le dessin et l’aquarelle. Est-ce que je ferais dessiner et peindre le paysage, le personnage, les fleurs, le portrait, les animaux …? J’étais indécis. Alors, la sagesse de mon ancien mentor m’est revenue. Je choisis la nature morte. Cela ne faisait pas toujours le bonheur des étudiants parce que certains désiraient choisir un motif plus intéressant me disaient-ils. J’insistais que la nature morte est un bon choix pour débuter.

Charles Le Clair dans The Art of Watercolor dit qu’il y a de bonnes raisons pour commencer à peindre des objets. La figure humaine pose plusieurs difficultés d’ordre anatomique. Donc, il vaut mieux attendre de maîtriser un peu plus le dessin avant de choisir le personnage. Il faut trouver un sujet convenable si on choisit le paysage et il n’est pas simple de changer les éléments.

La nature morte, par contre, nous fait travailler la composition. On peut changer l’arrière plan, bouger une bouteille ou même remplacer la nappe. On peut simplifier l’arrangement sur la surface afin d’éliminer les difficultés de perspective. Pour l’aquarelliste, surtout le débutant qui doit penser à la technique, on simplifie l’apprentissage en concentrant son regard sur quelques objets.

Nature Morte aux Oignons – Quelques stratégies

La nature morte aux oignons illustre quelques stratégies recommandées surtout pour le débutant. J’ai ajouté à ma démonstration un élément un peu plus complexe, soit le rendu de l’arrière-plan. Par contre, si vous suivez les étapes mentionnées vous y arriverez assez facilement. Aussi, c’est un exemple de ce qu’on peut faire au lieu d’un rendu plutôt neutre.

Choisir des objets aux valeurs définies : Si vous êtes à vos débuts à l’aquarelle il serait préférable, par exemple, de choisir des pommes ou un vase d’une couleur uniforme au lieu d’une courge ou d’un oignon. Ceux-ci sont un peu plus difficiles à rendre.

Incorporer des objets blancs dans votre composition : Cette suggestion vous incitera à considérer qu’à l’aquarelle on ne peint pas le blanc mais plutôt on le réserve. Le blanc de la feuille laissé vierge sert de blanc.

Placer les objets le long d’une tablette au niveau des yeux : Cette stratégie d’enlignement d’un objet à côté ou devant un autre rend la composition plus facile à dessiner. Vous n’avez pas vous préoccuper du dessin des ellipses. Tout est en profil tel qu’illustré dans ma composition.

Simplifier l’arrière-plan tout en étant créatif : Le principe à retenir ici est de représenter l’arrière-plan par des formes définies qui répètent le coloris et les valeurs définis des objets.

Un exercice stimulant et profitable est de passer un certain temps à choisir et placer les objets de votre composition. Tant qu’au choix de l’arrière-plan, il y a toute une gamme de revues et de livres d’ordre décoratif qui peuvent vous aider. Il y a aussi une vaste quantité de tableaux de natures mortes peintes par milliers d’artistes que vous pouvez consulter à la bibliothèque pour de nouvelles idées.

Si vous choisissez ce motif vous serez parmi les grands peintres qui eux aussi ont fait ce choix. Pensez aux natures mortes de Cézanne, de Matisse et de Van Gogh pour n’en nommer que quelques-unes.

Raynald Murphy sca

THREE MONTREAL SCENES - from Sketch to Painting

Feeling agreeable memories from sketches

I love to draw and paint outdoors so much that at this time of year when we are snowed under I flip through my sketches of summer scenes and immediately feel better.

“The Secret”, the popular book by Rhonda Byrne, says: “Secret triggers, such as agreeable memories, nature or your favourite music, can modify your feelings or change in an instant the frequency you are in presently.” I leaf through my sketch books and remember sounds and smells and who I was with. These are examples of positive feelings I had while drawing the scene and now relive.

For example, last summer while drawing beside City Hall I met a friend I had not seen for many years. It brought back fond memories. Working outdoors opens up the opportunity for such positive chance encounters.

I have posted three sketches painted last summer. They were all sketched with a Micron 03 archival ink pen in a hard bound 6”x 9” sketchbook. Colour was added using Sennelier pan pigments.

Why sketches are often better than final paintings

My intention is to paint larger works in studio from the three illustrated colour studies. Jeanne Dobie in: Making Color Sing says: “Have you ever wondered why sketches are often better than final paintings? When we sketch, usually in limited time, we unconsciously seize the large, major components, which are the basis of a stronger, more forceful composition. Later, when the final painting is executed in the studio, the tendency is to lose the original essence by adding all the extras and breaking up the solid shapes into disjointed smaller areas.”

What one can do before converting the sketch to a final painting

Sketch 1- Trace the large shapes: I placed tracing paper over the sketch and traced the large major components. This helped me to see more clearly the larger shapes.

Sketch 2 - Scan in grayscale: Using a computer scan or a digital camera set to grayscale I eliminated the colour. This permitted me to see if the composition worked in terms of values only. You can achieve a similar effect by placing a red filter over your painting.

Sketch 3 – Isolate the white shapes: Again, placing tracing paper over the colour sketch I traced around the unpainted white shapes to see more clearly their impact. I could also use acetate or work through a computer image. Jeanne Dobie says: “For a strong painting, I concentrate on making my unpainted shapes as powerful as my painted shapes.”

“The student who really learns to draw will be the one who draws.” Kimon Nicolaïdes in The Natural Way to Draw.

For “happy paintings” sketch, paint and think positive!

Raynald Murphy sca

MUSÉE DES MAÎTRES ET ARTISANTS DU QUÉBEC - Quatre stratégies du dessin

À propos du Musée

Le Musée des maîtres et artisans du Québec est situé au 615, avenue Sainte-Croix, angle rue du Collège, juste à côté du CEGEP Saint-Laurent. C’est un lieu que je fréquente souvent afin de dessiner les objets de sa collection. Le Musée a pour mission la mise en valeur du patrimoine culturel québécois à travers les arts et les traditions artisanales du Québec d'hier et d'aujourd'hui, auprès de la collectivité tant locale que régionale et nationale.

Ses objectifs artistiques sont de diffuser et de faire connaître les arts anciens et les traditions artisanales, les métiers d'art et l'art contemporain. Le Musée accorde aussi une place toute particulière à l'expression artistique et artisanale des différentes communautés ethniques qui composent la population locale, à l'image du Canada d'aujourd'hui.

Quatre stratégies de dessins faits au Musée des Maîtres et Artisans

Voici quatre stratégies de dessin. Le premier dessin illustre une vue du CEGEP et du Musée à l’arrière plan. Les trois autres dessins ont été esquissés à partir d’objets de sa collection.

Lignes contours et formes

Au moment même où je trace le contour d’un objet, j’essaie de rendre le volume. La ligne n'existe pas en nature, c’est une invention graphique qui sert à jalonner les formes. Le cerveau comprend mieux les aplats que les formes délimitées par des lignes. Pensez à ceci : vous voyez un personnage marcher vers vous. Il est à contre jours, impossible de distinguer les détails. Mais vous le reconnaissez par sa forme, par sa silhouette. L’application ou non de cette stratégie peut varier d’un dessinateur à l’autre car tout dépend de l’intention de l’artiste.

Points de repères

Lorsque je commence un dessin je fais quelques marques à la limite de la forme que je veux dessiner. Je place ces points d’abord à l’œil. Donc, j’observe d’abord, ensuite je place un point. J’observe une autre fois puis je place un deuxième point. Au besoin j’en note d’autres. À la fin je joins tous ces points par un trait fluide. Dessiner c'est comme jouer au jeu d'enfant : joindre les points numérotés 1, 2, 3… et voilà! On voit apparaître l’objet ou le personnage.

Les grilles imaginaires

Je tire régulièrement une grille imaginaire de lignes verticales, horizontales et obliques superposées sur mon motif et sur ma feuille. Je me sers de ces lignes invisibles afin de repérer un point par comparaison à un autre. Nous avons tous un sens de « niveau ». Il s’agit donc de s’habituer à se servir de ces lignes invisibles afin de situer un point, puis un autre sur la même ligne.

Les enclaves

« Lorsque vous voyez une enclave dessinez-la », dit Bert Dodson dans Keys to Drawing. Il désigne ces espaces vides par l’expression « trapped shapes » Par exemple, au lieu de dessiner une chaise, vous dessinez la forme des espaces négatifs entre les barreaux et vous verrez la chaise apparaître comme par magie!

Je vous invite à visiter le Musée des Maîtres et Artisans du Québec. Apportez donc votre cahier et crayon avec vous. Lorsque le climat vous permet difficilement de dessiner dehors vous pouvez vous aussi dessiner les objets de la collection. Le Musée est ouvert du mercredi au dimanche de 12h à 17h.

Bienvenue ! Peut-être que nous nous y rencontrerons ?

Raynald Murphy sca

ENJOYING THE PROCESS OF CREATING

Often one is attracted to sign up for an art course because one wants to make something tangible. We want to produce something that “looks good” and the sooner the better. We tend to overemphasize an anticipated product instead of enjoying the process of creating. In learning to paint we hasten to master the technique in order to quickly frame and admire our creation, to show it to our friends. If we do not succeed according to our self-imposed goals we conclude we have no talent.

In our spare time during our childhood and adolescent years my brother and I would create our own board games just for the fun of it. Because we were not well off we “adapted” our own concepts to board games such as Monopoly which we would build from scraps of paper and cardboard leftovers. The pleasure we derived was more often in the “process” of recreating the game more than in playing the games.

Today, when I reflect on my passion as an artist I arrive at the same conclusion. I love the action of moving watercolour pigments around in water and of moving the pencil on paper. No sooner have I completed a work or finished a sketch no sooner do I want to start on another one.
Often, in teaching adults art I find it disheartening that the beginner is often devastated and profoundly discouraged after having not succeeded at mastering a particular technique, and often after only a few tries.

The drawing of houses and trees illustrated here that I sketched over thirty years ago has obvious perspective and value faults. (I am posting it here in all humility to prove a point.) Achieving proficiency in any field, drawing included, takes time. A drawing and a painting of a similar subject done thirty-three years later shows marked improvement.

In concluding I will quote from the book, Complete Guide to WATERCOLOR PAINTING by Edgar A. Whitney who taught at the famous Pratt Institute for many years. One would expect his last admonition to his students to give some advice regarding painting, but it doesn’t.

“The last admonition I gave to my students at Pratt Institute, I made as dramatic as possible so as to make it memorable. High on the front wall of the classroom, with chalk, I letter the word “DRAW”. Then, underlining that word down the wall to the floor, across the floor to the opposite wall …I say, “good luck, good-bye.”

“I put this much emphasis upon the importance of drawing because it is the foundation of visual art.”

NOTE: The aquabee sketch books 820 are still available and relatively inexpensive in these sizes: 6 x12, 6 x 6 ,9 x 9 and 14 x 17, all available at Art Tec in Montreal and from other merchants.

Raynald Murphy sca