jeudi 27 décembre 2007


Rembrandt created eighty-odd self-portraits. Looking through my file of drawings and paintings I was only able to come up with about six self-portraits. Of these, a charcoal drawing done around 1975 for a University drawing course has obvious proportion flaws, but there is a slight resemblance. The 1990 color pastel was drawn from a photo during a pastel workshop. It has some redeeming qualities but it is definitely not one of my best works.

The first of three portraits labeled 2007 was done a few days ago looking in a mirror. I painted on No. 79 Peterboro illustration board. It was the first time I tried this type of board. Essentially it is an acid-free Cold Press watercolour paper mounted on board. Sold in a 30” x 40” format, the board can easily be cut with an exacto knife.

I drew the main shapes with a 2B graphite pencil and painted the initial washes with a No. 12 Isabey petit gris brush, the largest in the family. Wetting the right-hand side of the face in shadow with clear water, I dipped this generous brush into a mixture of Raw Sienna and Burnt Sienna. The paint flowed easily over the board and I immediately noticed that the paint was not being absorbed quickly. This gave me ample time to go back into the wash and adjust the values.

Adding a little Ultramarine Deep into the mixture I then painted the blocked out shapes on the left-hand side of the face. Next, I grayed the mixture a bit more and painted in the hair. The lighted side of the face at this point was still paper white and contrasted well with the dark shapes. I should have stopped immediately but instead wet the untouched white area and the gray bled into it. I was able to quickly remove some of the colour but the beautiful stark contrast was lost except for some highlights on the nose, lips and chin.

That is the risk one takes when trying out a new paper or board, but I feel that jumping in and painting a subject is more stimulating and profitable than painting little color swatches on unfamiliar paper. Anyway, I still have eight boards left, cut to approximately 10” x 13” to try out. What is important is that I had fun and learned while trying out a new brand of paper and a new brush. Then, I promised myself to do one self-portrait a day for 30 days using various mediums.

So, I painted a second time on Peterboro board. The resulting painting outlined in ink produced a brighter more colorful rendition but a less successful resemblance than the first attempt. The third in the proposed series of 30 was done with 2B and 4B graphite pencil on paper.

Although at first it might seem boring to draw oneself often, it has so far been very interesting. I am learning something every time and honing my skills. Foremost is the fact that your model is always available. Vary the medium used, the lighting and the approach. It is not necessary, for example to draw or paint the whole face.

If you are interested in the subject of portraits, here are the titles of a couple of recommended books and one magazine article : Rembrandt’s Nose by Michael Taylor is a well-written insightful book about how the artist painted portraits. Visages des voyageurs is mainly a flip through picture book of Martine Le Coz’s creative renditions of writers of the XXth century. Yvon Masse’s article Portrait, portrait, in L’aquarelliste, Août 2006 explains how to organize a portrait night. In Harley Brown’s Eternal truths for every artist, the most important words in the book are: “I, ________________, do hereby declare that, from this day forward, I will do a drawing, from life, for a half hour every day, for the rest of my life. So help me Harley.”

That being said, I must go draw my fourth self-portrait of the proposed series.

Raynald Murphy sca

dimanche 23 décembre 2007


Lors de la période des fêtes chaque année on retrouve un symbole unique au pied du gratte-ciel de la Place Ville-Marie. Je parle de l’immense arbre de Noël décoré de milliers de lumières jaunes.

Il y a quelques jours je marchais sur l’avenue McGill vers le sud lorsque j’aperçu cette gigantesque décoration des fêtes. Juste à côté il y a un restaurant-café. Une table tout près de la fenêtre offrait une vue sur la scène. Je suis entré. Un café à la main gauche et un pinceau dans l’autre j’ai peint une première version dans mon cahier à croquis.

J’ai utilisé un stylo feutre de marque Micron pointe 03 pour le dessin fait dans un cahier à reliure en spirale Penalic Nature Sketch, dimension 6 x 12 po. Le papier accepte bien l’encre ainsi que l’aquarelle. D’une épaisseur de 130 lb il gondole peu dû à l’épaisseur de la feuille. Le papier est teinté légèrement crème pâle.

J’ai utilisé mon pinceau-réservoir et des pigments Fragonard. La petite boîte de couleurs d’aquarelle de dimensions 3 x 5 po contient douze pastilles. Lorsqu’on l’ouvre il y a deux surfaces, une de chaque côté. On fait le mélange des couleurs sur des surfaces métalliques. Très pratique, on peut même la tenir en insérant le pouce dans un anneau situé en dessous.

Une fois à la maison le soir j’avais hâte de reprendre cette étude. J’ai d’abord numérisé mon esquisse en respectant le même format. Travaillant sur ma table lumière j’ai posé une feuille de papier d’aquarelle Cartiera Magnani grain fin 140 lb par-dessus la photocopie. Ensuite, j’ai calqué les grandes lignes avec un pousse-mine 05 graphite 2B.

J’ai peint la deuxième version avec des pigments Sennelier et les pinceaux Isabey petit gris. Aucune gomme réserve n’a été utilisée car j’ai préféré conserver les blancs du papier en les contournant.

En général j’ai peint les tons les plus pâles en premier et j’ai terminé en ajoutant les marques calligraphiques noires. Donc, le jaune a été appliqué d’abord, ensuite les terres neutres, puis les teintes froides, bleutées et foncées.

Cette deuxième version, dimensions 15 x 6 po. peinte la même journée que celle de l’étude, va me servir si je peins d’autres versions de la scène. Ce que je retiens en mémoire est l’atmosphère ainsi que l’émotion du moment. Ceci n’aurait pas été possible si je n’avais travaillé qu’à partir de photos prises sous un éclairage faible.

Je souhaite que ce symbole lumineux rayonne la joie et la paix dans votre famille ainsi qu’avec vos amis/es pendant la saison des fêtes et toute l’année.

Note : La Place Ville-Marie fut construit entre 1958 et 1962 au-dessus de la tranchée du tunnel ferroviaire qui passe sous le mont Royal. L’édifice principal, cruciforme, mesure 188.1m (617 pieds) et possède 46 étages.

Joyeux Noël

Raynald Murphy sca

mercredi 19 décembre 2007


The oldest stable still in existence in Montréal is the Griffintown Horse Palace. Founded in 1840, the Horse Palace has been owned by Irishmen since the 1860s. In the past the stables housed thousands of horses. Today, the three stables in the area are home to the sixty or so calèche-horses seen on the streets of Old Montréal.

During my many visits in Old Montréal I noticed that the calèche driver always seemed to keep a close eye on his companion. A horse can easily be spooked by city noise and activity.

Looking through my paintings I came across such a calèche scene. This gave me an idea for creating Christmas cards. I have found that one can spend an enormous amount of time if each hand made card has a different motif. Although well appreciated, each can easily take an hour or more to paint.

So, this year I found a way to reproduce the same subject yet paint each uniquely and rather quickly in about 15 minutes. In a few hours I had produced over half a dozen.

First, I scanned a section of the painting. Then I reduced the image to a 5 x 7in. format and printed it.

Next, I taped the print to a light box. (You can also use a window in daytime.) Then, I placed a piece of Aquarius II watercolour paper (7 ½ x 11in.) on top of the image in order to trace it. I made sure the bottom half of the watercolor paper was placed over the painting. Once folded, the card would measure 5 ½ x 7 ½ inches. Standard envelopes that size are easy to find.

Then, using a Micron permanent India ink felt pen size 03 I traced the main shapes of the design of the calèche, driver and horse. The line drawing illustrates this step. The advantage of using Aquarius II paper is that it is thinner than most. It is therefore easier to trace. Also, the extreme whiteness of the paper along with its soft fiber makes it an ideal choice for a winter snow scene.

Finally, using Sennelier watercolors and my Isabey natural hair brushes I loosely painted in the shapes being careful to leave a lot of white around the traced shapes to imitate fallen snow. (Since Aquarius II paper is contains synthetic fiber you can choose to use acrylic paints.)

Choice of colours: If you want to reproduce a motif in quantity and quickly I suggest that you limit yourself to a few colours. I used Sennelier Red, Crimson Lake, Payne's Gray, Viridian and Prussian Blue. In some of the cards I opted not to paint the background.

Although the subject matter illustrated here might seem daunting and complicated to draw for some, you can easily opt for a simpler motif. The key to the success of this card idea is the use of a permanent felt pen for the line drawing. Whether or not you go over the lines with the colors will make little difference in the outcome. Actually, the looseness of paint application will make the finished card more animated and personal I feel. Sign it and your recipient will be thrilled.

Merry Christmas,

Raynald Murphy sca

lundi 17 décembre 2007


Le Musée des beaux-arts de Montréal offre aux visiteurs de nombreuses sculptures à admirer dans sa collection permanente. Mais saviez-vous qu’aux heures d’ouverture il est possible de dessiner à partir des œuvres de la collection permanente? C’est gratuit. On vous fourni même des chaises pliables et confortables que vous pouvez emprunter à l’accueil. Vous pouvez dessiner au crayon et autres outils secs et les transporter dans un sac à main. Vous devez par contre laisser les sacs à dos au vestiaire.

Je lisais dans la revue Drawing (American Artist, automne 2007) un article fort intéressant à propos d’une école de dessin à San Francisco. Cette école, basée sur les traditions des ateliers européens du passé, offre aux étudiants la chance d’étudier le dessin du personnage. Les maîtres enseignants de la BACAA (Bay Area Classical Artist Atelier) sont de haut calibre.

Cependant il n’est pas nécessaire de se rendre à l’étranger pour étudier avec des maîtres. L’Atelier de Brésoles, situé à dans le Vieux Montréal, en est un qui forme ses étudiants dans la tradition classique du dessin. Voir, par exemple, les magnifiques oeuvres d’un ami, Yvan Breton, qui dessine dans cette tradition.

Même si vous n’avez pas fait d’études formelles à une école de beaux-arts ou autre, rien ne vous empêche de pratiquer votre dessin à partir de copie de tableaux, sculptures ou objets dans nos Musées. Il y a plus qu’une façon d’approfondir son art. On peu, par exemple, trouver énormément d’information technique sur le sujet du dessin autant dans des livres que sur Internet. J’affiche ici à titre d’exemple un schéma qui explique un peu ma démarche et mon but lorsque je dessine une sculpture. Par contre il ne faut ne jamais oublier que sans pratique il n’y a pas d’amélioration.

Dan Gheno, auteur d’un article paru dans la revue mentionnée plus haut, dis que lorsqu’on fait un dessin de longue durée il est important de préciser ses intentions. Par exemple, si vous faites un dessin afin de d’apprendre quelque chose à propos des valeurs et des proportions il est préférable de s’arrêter lorsque le but est atteint. Dans un cas pareil, s’attarder à remplir toute la surface du papier serait selon lui une perte de temps.

Les trois dessins représentés ici ont été dessinés au Musée des beaux-arts. Autant je suis passionné par le dessin en plein air, du croquis rapide et du personnage, autant je m’arrête à l’occasion pour faire un dessin plus soutenu d’après plâtre ou sculpture. Les temps froids d’hiver sont propices à ce genre de travail à l’intérieur.

Identification des sculptures : 1. Saint-Joseph et l’enfant Jésus, Allemagne ou Autriche, milieu du XVIIIe siècle, Bois peint. 2. La Bacchante aux roses, Jean-Baptiste Carpeaux 1827-1875, Marbre. 3. Jacques le reprouvé, Alfred Laliberté, 1928-1932, Plâtre.

Raynald Murphy sca

mercredi 12 décembre 2007


“The better part of valour is discretion … “( Falstaff in Shakespeare’s play Henry IV, Part I)

If you are to follow my lead and draw or paint while riding the trains, be discreet. Rule number one is: “Never draw the person immediately in front of you”. Rather, choose as your models those further away. People reading, sleeping or conversing with someone are good candidates. Steal quick glances rather than risk locking into a person’s gaze. Work small and don’t draw attention to yourself.

When I enter a train I find a seat near the middle of the train which faces either the front or the back. Since I am right-handed I find a seat with the window on my right. The end seats over the wheels offer too bumpy a ride, I avoid them. I also avoid rush hours.

Once I have found my window seat I prop my backpack on my knees. The rucksack on my knees provides a ledge upon which to rest my little sketch book opened at a 90% angle with the left cover up. The partly closed book keeps the curious from peeking.

At times I draw in pencil because the softer lead absorbs the bumps. In general I try to do at least one sketch in ink and watercolour during a trip. First, I ink in the sketch. This takes the travel time between two or three stations. The trick is to start drawing while the train is motionless in station and while people take their seats. People tend to remain relatively still when they first sit down. I immediately draw the key lines of the face such as the eyes, nose, mouth and profile.

I ink in the rest of the less important lines such as the hair and clothing while the train moves. I restate wrong lines. I place dots at critical places such as at the shoulder and arm creases. If the subject moves or if someone stands in front of the person I'm sketching I still have these reference dots to work from. If someone blocks my view, I may draw the furnishing around the subject. Suggestion is most important. There is no time to draw everything.

With experience I've noticed that facial proportions are generally standard. However, once I get a good look at someone I can remember the particulars of the features pretty well for a minute or so.

Next, I take out my little watercolor box from my belt purse, my reservoir paint brush and tissue. There is no time to waste. Supplies must be close at hand. Initially I paint the face and hands. Even if the passenger leaves I invent and fill in missing information. The more I draw the more I am able to invent.

I just love the process of drawing and painting quick studies. The result is secondary. I have a stack of these little books on my shelf. I rarely look back in them preferring to rush out and do more!

Note: The watercolour of the people in the Metro station was done in studio after a sketch done on site. Size: 8” x 10” on Arches Cold Press paper.

Raynald Murphy sca

lundi 10 décembre 2007


La question, « Tu as mis combien de temps à faire cette…aquarelle…ce dessin? » m’est posée maintes fois! J’ai finalement développé cette réponse : « Trente-cinq ans plus…minutes/heures.»

Ces petits croquis affichés ici ont tous été faits entre le 5 novembre et le début de décembre, donc, un mois de dessins/aquarelles. Mon carnet de quelques 80 pages, de dimensions 4 po. x 6 po., est complet. De plus je dessine recto-verso dans ce carnet mais pas uniquement dans celui-ci car j’en ai d’autres. Alors, 160 divisé par 30 égale 5,3333. Donc, je dois esquisser en moyenne sur six pages par jour dans ce carnet.

Une autre façon de répondre à cette interrogation est de citer la remarque de ma fille. Elle emprunte tous les jours le métro de Montréal. Elle me dit : « Papa, si ça t’a pris six stations de métro pour compléter cette petite aquarelle, tu as fait ça en environ dix minutes - une minute par station plus le temps entre les stations.»

Mais, en fin de compte, ce n’est pas la rapidité d’exécution qui importe mais d’en faire et ce en quantité.

Paul Laseau dans le livre INK-LINE SKETCHING dit : « Afin d’apprendre à dessiner, il est préférable de faire une douzaine de mauvais dessins au lieu d’un acceptable.» Il ajoute : « Croquer est une source continuelle d’apprentissage plutôt qu’une série de performances ».

Si on attrape la passion de dessiner fréquemment, est-ce que les outils employés importent? C’est sûr que ce sujet mérite d’être discuté. Mais, voyons ce que l’artiste Laseau dit : « De tous les médiums que j’ai utilisés afin d’enseigner le dessin, le trait à l’encre de chine (stylo-feutre) a rapporté le plus de progrès ». D’abord la permanence de l’encre nous encourage à toujours placer la ligne au bon endroit dès le premier coup. Il continue, « Ce n’est pas un problème grave si la ligne est placée à la mauvaise place, parce que la démarche pour bien placer les traits bâtit la coordination entre l’œil et la main ». Finalement, il répète ce que nous savons déjà. Avec le crayon nous avons tendance à être timide, soit en utilisant des traits pâles ou en effaçant une « mauvaise » ligne.

Vous trouverez un bel exemple de cette recherche de la « bonne » ligne dans la section VACANCES de la Presse de samedi 1er décembre 2007. Quelques pages du carnet d’artiste du graphiste André Rivest lors de son voyage à Cuba y sont présentées. Si vous avez la chance de voir ou de revoir ces pages (ou ses illustrations fréquentes dans le même journal) regardez combien de lignes sont reprises afin d’arriver à la meilleure. J’ose même dire qu’André Rivest n’utilise jamais la gomme à effacer.

Donc, pour revenir à notre question, combien de temps … la réponse pourrait être : «Toute une vie!» Et, selon le conseil de plusieurs artistes enseignants, moi inclus, dessinez à l’encre aussi souvent que possible, le progrès se fera beaucoup plus rapidement.

Note : Les dessins ont été faits avec les stylos encre de chine de marque Faber-Castell ou Micron. L’aquarelle a été ajoutée avec un pinceau réservoir. Le carnet est de marque Pentalic disponible chez Art Tec.

Raynald Murphy sca

vendredi 7 décembre 2007


I have fallen in love once again. It all started last spring when I became attracted to her. I admired her from a distance not wishing to make a move for fear she would not respond to the way I was used to. I admired the natural look of her hair. I knew she was supple and soft. But questions kept running through my mind such as: Would she caress my surfaces as I was used to? Would she spring back? How would she feel in my hand?

I figured out quite quickly that she was French because her middle name was “petit”. And it wasn’t just her size, or at times, the lack thereof that impressed me. It was her shape. She could contort herself so easily and then revert back straight to her original form with just a flick. I just wanted so much to get my hands on her, but … should I take the risk? Moreover, being so special, she was often locked up. So I couldn’t get a real close look at her.

Finally, the right moment presented itself and I couldn’t resist it any more. One day in September when I was downtown Johanne introduced me to her. And life has not been the same since. It has been the start of a long love affair.

Isabey Petit Gris is her full name. This watercolour natural hair brush has exceeded all my expectations. She flows across the paper with ease and retains so much water and pigment that one stroke goes a long way. I do everything with her and her many sisters and brothers. For the moment I own the no 7, the no 2, the two inch 6421 and finally the pocket Isabey which never leaves my person.

So, if you feel you dare to fall in “love” this Christmas, add her to your “wish list”. Just head on down to see Johanne at Art Tec and she will introduce you to the one or ones which will suit your hand.

Finally, if you’d like a sneak preview as to how I handle my new “love” come see my watercolor demonstration December 15th at 1 pm. But phone first at (514) 288-9892 because space is limited.

Note: The painting of the brushes was done on Aquarius II 80 lb. Cold Press paper by Strathmore on a quarter sheet.

Raynald Murphy sca

mardi 4 décembre 2007


L’hiver dernier, par une journée froide j’ai peint cette scène bien au chaud à l’intérieur de la gare Lucien-L’Allier.

On lui a donné le même nom que la station de métro juste à côté, station du même patronyme que la rue Lucien-L’Allier, à l’origine la rue de l’Aqueduc. On l’a rebaptisée afin de commémorer l’ingénieur en chef du réseau de Métro de Montréal. Il a été aussi responsable de la construction de l’Île Ste-Hélène et de l’Île Notre-Dame pour l’Expo 67.

J’ai été attiré par cette vue à cause de l’atmosphère qui se dégageait lors de cette journée plutôt sombre. L’absence de forts contrastes créait l’impression d’aplats et d’absence de volume. Par exemple, en regardant les bâtiments au loin et le clocher de l’église, on perçoit peu de détails et les contours des édifices sont flous. Le ciel gris et l’aspect ouaté de la neige rendent cette scène paisible. C’est surtout la superposition des formes les unes devant les autres qui donne l’aspect de profondeur.

Nous pouvons rendre cette même impression d’aplats lorsque nous dessinons. Dans les deux dessins illustrés ici, remarquez comment j’ai cloisonné les personnages par des traits linéaires. J’ai aussi superposé une forme devant l’autre. L’absence d’un éclairage directionnel aplatit d’avantage les formes. La distinction des formes se fait par l’alternance d’un pâle devant un foncé et vice versa. Il y a peu de détails autant dans les dessins que dans l’aquarelle.

Ce qui est à retenir dans tout cela c’est que lorsque nous composons il est préférable de penser les formes lisibles d’abord et non les détails. Une façon de rendre lisible notre sujet et de le simplifier est de joindre les tons de valeurs similaires dans nos formes. Par exemples les bâtiments au loin dans l’aquarelle semblent se fondent les uns dans les autres. Ces aplats sont plus lisibles parce que les détails et les forts contrastes ont été éliminés.

Souvenez-vous que peindre n’est pas simplement reproduire fidèlement ce qui est devant nous mais l’interpréter de façon à le rendre lisible, plausible et personnel.

Raynald Murphy sca

jeudi 29 novembre 2007


The face of Concordia University in Montreal has changed dramatically since its existence in 1974. I was a part-time student at both its founding institutions, Loyola College and Sir George Williams University in the 1970’s.

The new university started with five Faculties: a merged Faculty of Commerce, merged Faculty of Engineering, a Sir George Williams Faculty of Arts, a SGW Faculty of Science, and a Loyola Faculty of Arts and Science.

Last Saturday, looking for a place to draw indoors because it was bitter cold outside, my friends and I went into the lobby of the new Engineering, Computer Science and Visual Arts Integrated Complex of the University at Sainte-Catherine and Guy Streets. The lobby of this spacious indoor venue, which opened in September 2005, is well furnished with tables and chairs. This gave us the opportunity to draw people indoors and outdoors.

Looking out the window of the lobby I drew the first of two versions of a view looking westward along Ste-Catherine. I worked in my sketch book and used an archival ink pen, reservoir brush and pan colors. A few days later I returned and painted another study (the second illustration). This time I painted on Cartiera Magnani cold press watercolor paper in pad form (7 x 10 inches). I used both of my pocket paint brushes, the Isabey 6202 and the Kolinsky Connosisseur 405-7 flat, both brushes are available at Art Tec. I also took a few photos of the scene, one of which is posted above. All this information will be enough for me to do a larger watercolor in studio.
Regarding the black and white pencil (graphite) sketches illustrated here: These were done of passers-by walking on Sainte-Catherine Street. The strategy I used is as follows: I visually memorized a profile as the person walked by. Then I quickly sketched it before the information faded. I repeated the procedure once again but this time I added information to the original sketch from another person such as the hair or an arm holding a bag. The resulting drawing of one individual is really a composite of a few people walking in front of me. In order to succeed I had to really concentrate and jot down just the essential elements of a profile or a movement. Most people were really walking fast. Essentially this exercise enticed me to draw and invent what I wanted to see. A very good book this topic is Charles Reid’s book: Painting What you - want to – See.
I also realized while doing this exercise that as the light faded and the contrasts became less distinct it became more difficult to decipher the forms correctly. Generally it is much easier to draw a subject well illuminated from a light source. If you are interested in painting motion consult the book How to Capture Movement in your paintings by Julia Cassels.

One must never forget, however, that just reading books won’t make one a better artist. To improve one has to practice and do art. And as far as improving drawing skills – the basis of all art – nothing is better, I feel, than drawing/painting from life.
Raynald Murphy sca

samedi 24 novembre 2007


Lors d’une tempête de neige à Montréal que font les mordus du dessin en plein air? C’est simple. Ils se rencontrent sur le Chemin de la Côte-des-Neiges. Ensuite, ils vont dessiner à l’abri des intempéries dans un café ou à la bibliothèque Côte-des Neiges.

Le 22 novembre, jour de la première tempête de neige, Yvon et moi avons donc dessiné bien au chaud en savourant un café dans … un café, puis à la bibliothèque située à deux pas de la bouche du Métro du même nom. Saviez-vous que sur ce toit ainsi que sur celui de la maison de la culture on retrouve le premier toit vert accessible aux citoyens d’un immeuble de la Ville de Montréal? L’inauguration a eu lieu le 5 juin de cette année.

La petite aquarelle que vous voyez ici, des lecteurs de journaux, a été dessinée sur un bloc de papier aquarelle grain fin Sennelier, 140 lb, dimensions 9’’x 4’’ environ. J’ai premièrement fait un dessin avec un stylo feutre (encre de chine). Ensuite, j’ai ajouté la couleur avec des pigments Sennelier et mon pinceau réservoir.

Lorsque je désire ajouter de la couleur à mes dessins faits dans les trains du Métro, les bibliothèques et autres endroits publics, j’utilise une petite boîte de couleurs artisanale ainsi qu’un pinceau réservoir. Ces outils sont illustrés plus bas. Une image vaut mille mots, comme on dit.

De retour à la maison, j’ai appris que le mot côte ne signifie pas nécessairement un chemin en pente, mais plutôt une « unité définitive du territoire et possiblement un synonyme de quartier ». C’est ainsi que nous avons Côte-de-Liesse, Côte-des-Neiges, Côte-Sainte-Catherine etc.

Si vous avez le goût d’aller faire du croquis sur cette «côte» n’hésitez pas. En plus de «plein de choses à dessiner ou peindre» vous aurez peut-être le goût de prendre une collation ou même un repas dans un de ses nombreux et excellents restaurants.

Raynald Murphy sca

lundi 19 novembre 2007


Leonardo da Vinci advised the artist to carry a notebook ‘when you are out walking’ and jot down ‘the position and actions of men in talking, quarreling, laughing and fighting together’ with rapid notations … He advised the artist to memorize types of facial features … “(The Undressed Art – Why We Draw, by Peter Steinhart.)

I was 22 years old in 1966 the year the Montreal Metro opened. Little did I image then that I would be riding the same system forty years later with sketchbook in hand. I had not yet caught the drawing “addiction” preferring to only look at young girls while riding the rails and sometimes the art in the stations. Over one hundred works of public art by noted Quebec artists decorate many of them. Some of the most important works in the Metro include the stained-glass window at Champ-de-Mars station and the Guimard entrance at Square Victoria station. Originally consisting of 26 stations on three separate lines, the Metro now incorporates 68 stations on four lines.

The Montreal Metro was inaugurated on October 14, 1966. It was built just in time to transport citizens and tourists who had come to our city for the Expo 67 international exhibition. I still remember the peanut oil smell emanating from the braking system. My uncle Alexandre, who worked for the transit system, had told me that was the reason. The heat in the trains was unbearable. However, the system was soon modified with ceiling fans to let in some air, an engineering oversight I assume.

I began to get into the habit of carrying a sketch book and drawing people from a distance soon after a comment, similar to Leonardo’s, was made by Joanna Nash. The artist is the author of l’Art Évolutif du Dessin. (Available at Art-Tec). Other than drawing while waiting for the bus, I have found many other opportunities to sketch people such as at meetings and at musical concerts. Peter Steinhart, quoted above, claims that there is no other place on earth where people’s heads hold so still for so long as in airport waiting rooms. Train stations and Hotel Lobbies, in my experience, are also good places.

One can even paint mini watercolors, such as the ones illustrated here, while riding in one of the 759 cars of the fleet. Because the cars run entirely underground and use exclusively rubber tires instead of steel wheels the ride is relatively smooth especially if one sits near the middle of the car. I will explain how to do quick paintings while riding the Metro in a future text.

One only needs passion, persistence and the determination. Leonardo in the statement quoted above was really putting the accent on the process and the learning acquired by observing and drawing. That is what is important. What I do with these many quick scribblings is unimportant at the moment I do them. I am simply having fun and learning to see.

Raynald Murphy sca

jeudi 15 novembre 2007


Les mardis soirs entre 17h30 et 19h30 je vais à l’édifice de Radio-Canada à Montréal afin de dessiner le modèle vivant. Il y a plusieurs autres endroits à Montréal où nous pouvons pratiquer le dessin du nu.

Une trentaine d’artistes y participe. Un grand studio nous est prêté par Radio-Canada. La salle est disposée comme ceci : Au centre il y a une estrade où le modèle va poser. Deux spots sont accrochés au plafond au dessus de la plateforme. Celle-ci est encerclée d’une trentaine de pupitres. Des planches et des chevalets sont aussi disponibles pour ceux ou celles qui préfèrent travailler debout.

Vers 17h les artistes commencent à entrer la salle. Certains aident à placer les pupitres et les chaises. Nous préparons nos outils et étalons nos papiers afin d’être prêts pour la séance. François est l’organisateur de cette activité. Il fait jouer une musique ambiante. À 17h30 exacte, le modèle entre au centre du cercle et laisse tomber son vêtement. Il ou elle prend six poses de deux minutes. Des poses de cinq minutes suivront. À 18h30 il y a un repos de dix minutes. Lors de la deuxième heure le modèle présente des poses plus longues, soit de dix ou de quinze minutes.

Pourquoi dessiner le nu? Premièrement, l’histoire de l’art nous enseigne que lors de l’époque classique l’artiste qui voulait s’améliorer faisait du dessin du nu. Ça faisait parti du système d’apprentissage. Au 21e siècle chacun le fait pour divers raisons. Peter Steinhart dans son livre The Undressed Art-Why We Draw tente de répondre à cette question. D’ordre générale la plupart recherche une certaine exactitude de reproduction du modèle lors de cet exercice. Par contre l’auteur Steinhart dit : «The aim of drawing is not just to imitate nature, but to participate in it in such a way as to make new and believable worlds».

Personnellement, je dessin le modèle surtout parce que c’est un défi. On ne peut guère se tromper lorsqu’on dessine le nu. Il faut être assez exact par rapport aux proportions relatives des membres du corps. Par exemple, si le bras est trop long par rapport au torse l’observateur va le remarquer. Reproduire les formes en nature n’exige moins d’exactitude. Le dessin du corps humain habillé peut être un peu plus facile. Les vêtements simplifient et cache la forme.

Si je manque une session de dessin un mardi je le ressens. C’est devenu une drogue, une nécessité. C’est comme l’athlète qui manque une session d’entrainement. Ou encore, c’est comme le musicien qui doit pratiquer ses gammes régulièrement s’il veut s’améliorer.

J’ai peint ces deux aquarelles (6 x 12 po et 6 x 10 po) sur du papier grain fin lors des poses de dix minutes. Mon dessin préalable à l’application des couleurs a été fait au stylo feutre pointe mince à l’encre de chine.

Si ça vous intéresse de vous joindre à cette activité n’hésitez pas de me contacter.

Raynald Murphy sca

lundi 12 novembre 2007

NOTRE-DAME-DE-BON-SECOURS CHAPEL historic chapel has been painted so many times by artists over the years from this view that I had promised myself never to paint it from this angle. But, as you can see, I came upon this enticing dramatic light one day and returned soon after to paint it. Truthfully, the watercolor you see was done in three stages. One cold Sunday afternoon I sat before the scene and sketched it on a sheet of Stratmore Aquarius II paper with a permanent felt pen. The near zero temperature prevented me from adding color which would not have dried anyway. So I returned another day to paint it. However, the cold once again forced me to abandon, this time because my fingers were freezing. I therefore completed the green tower and a few other sections in studio.

Analyze closely the color scheme of this watercolor. In general the scene was painted in tones of gray, black and ochre. The trio of red, yellow and green pigments was placed in strategic areas around the composition. These brighter chromatic colours invite the viewer to travel around the painting. The white of the unpainted paper describes the light, which, along with color is the real subject of the painting.

I like the loose feeling of the brush strokes and uneven staccato lines. The historic weathered buildings in Old Montreal lend themselves to a sketchy treatment of the architecture. However, this was probably a result of the urgency to draw and paint fast and furiously in cold weather!

Some historic notes merit mentioning:

  • This is the chapel of 1771, built over the ruins of the first stone chapel of pilgrimage whose foundations were recently uncovered.
  • Here, officers of the British regime considered setting up barracks to house the military.
    Paul Chomedey de Maisonneuve, founder of Montreal, donated the land for the original chapel.
  • Marguerite Bourgeoys was the first teacher and founder of the Congrégation de Notre-Dame. In 1655 she rallied the colonists to build a chapel of pilgrimage outside the settlement.
  • A stone chapel was finally erected in 1675.
    In 1754 fire ravaged the first chapel.
  • The British garrison included Irish and Scottish families who attended services at Notre-Dame-de-Bon-Secours. It was from this community that money was raised to begin construction of Saint Patrick’s, Montreal’s first English parish.
  • In 2005, the 350th anniversary of Notre-Dame-de-Bon-Secours was especially joyful when the “mother of the colony” returned to the chapel in Montreal’s historic district where she had lived as a beloved friend and valued counsellor to all. Her remains were placed in the left side-altar below the statue of Notre-Dame-de-Bon-Secours.

I invite you to take the time to visit the web site for a more detailed history of the chapel.

Finally, a visit to Old Montreal would not be complete without a visit inside this historic chapel filled with most beautiful artworks by some renowned artists. Take the time some day to do so. And bring along your sketch book! You might even feel like saying a prayer of thanksgiving, if you feel so inclined, for the early settlers of Montreal who left us such beautiful art.

Raynald Murphy sca

vendredi 9 novembre 2007


Cette église Montréalaise de style architectural néo-gothique fut construite en 1851 par l’architecte/concepteur Victor Bourgeau. Elle a huit étages et possède un carillon français de treize cloches. L’horloge fut dessinée par Joseph Venn lui aussi un architecte de renom. Située à l’angle des rues de la Visitation et du boulevard René-Lévesque juste en face de l’édifice de Radio-Canada, elle est classée monument historique. En ce moment, des travaux sont en cours afin de préserver ce magnifique édifice qui mérite d’être visité. Vous pouvez y entrer le jour car elle est classée église ouverte.
Cette église a été peinte à deux moments différents du même endroit. La première (en haut) : Je l’ai travaillée sur papier cartiera magnani grain fin. Le sujet était éclairé par un soleil de fin d’après-midi. C’était donc les forts contrastes ainsi que le coloris qui m’ont incité à peindre cette scène.
La deuxième : Elle a été peinte sur du papier Fabriano rugueux. Elle est illustrée dans mon livre Carnet de Montréal … de A à Z en mots et en images (texte : François Barcelo) et inclut aussi l’église Sainte-Brigide au loin.

Vous avez donc ici un exemple qui illustre un même sujet peint sur des papiers de différents. Le choix du papier a joué un grand rôle dans le résultat final. L’une n’est pas nécessairement meilleure que l’autre mais seulement différente. Ajoutons à ceci un choix de pigments et d’outils différents. L’émotion de l’artiste au moment de l’exécution était sûrement autre pour plusieurs raisons. Il faisait plus froid lorsque j’ai peint la plus récente. J’ai dû la terminer en studio parce qu’elle ne séchait pas. Le vent aussi joue un rôle.

En résumé, mettons toutes ces variantes ensemble – papier, pigments, température, disposition etc. - et vous pouvez comprendre pourquoi la peinture à l’aquarelle, surtout en plein air, peut être autant un défi exaltant lors de l’exécution qu’une surprise dans le résultat. Je crois que ce sont ces conditions imprévisibles, cette marche sur la corde raide, qui me passionnent toujours lorsque je peins ou dessine sur le motif.

Raynald Murphy sca