Rapide-Danseur’s White House – a Water Color Demonstration

Stage 1: The high contrast of the white house positioned against a deep blue sky enticed me to sketch this scene. In order to do a studio painting from the gouache sketch, the extreme white tone of Strathmore Aquarius II paper seemed the correct choice.  Moreover, I opted to use a variety of pigments which are not usually standards in my palette both for a different feel and to practice my color mixes. I used: Nickel Quinachridone Gold (M.Graham), Madder red dark ( Schmincke), Permanent red, Ultramarine deep. Peacock blue, Prussian blue and Lamp black (Holbein).

Stage 2: This polyester fiber paper lies flat and should not be fixed to a board with masking tape because upon removal it will tear its fibers when removed. I therefore fixed it to a board simply with metal clips. I began by painting the sky wet on dry with a mixture of Peacock blue and Ultramarine leaving an undulating uneven edge to the left, top and right. In order to create an even sky I tipped the board back and forth horizontally immediately after painting the blue in order to let the paint dry flat and evenly.

Stage 3: I painted wet on dry a small tree and bush shape below the steps using Quinacridone gold. I dropped in some peacock blue into this at the top edge. I also left some of the white paper unpainted to simulate white reflections. I resisted the temptation to go back into this section once painted otherwise the textured look would be lost. Notice that a carefully designed tree shape overlaps the right side of the house.

Stage 4: Using an alternate mixture of Peacock and Ultramarine blue and yellow with a hint of Madder red, I painted the background tree shapes. In its interior I left unpainted a white pine tree shape to be added later.  I also added a tree shape at the left of the house as a visual block to send the eye back into the picture. This was let to dry.

Stage 5: Next, I carefully painted the dark foreground pine tree shapes using Prussian blue, some Madder red dark and Ultramarine with a touch of yellow.

Stage 6: The colorful greys of the shadow areas of the house were added at this point. I used a mixture of Ultramarine, Madder red and a hint of black to achieve a luminous grey tone.

Stage 7: It was important for me to resist painting with Permanent red the trim of the house until now. Otherwise I would have risked the red bleeding into the adjacent colors. Next, I added the shadow shapes on the path leading to the house with Ultramarine, Madder red and some black. The nearer brown rocks were outlined using the right mix of red, yellow and blue. Finally, with a mix of Ultramarine and Lamp black I painted very carefully the many window shapes around and between the white roof posts. Deep black was used under the balcony.  After adding deeper tones to the left of the foreground rocks, I titled it: Rapide-Danseur’s White House which was originally the Rectory of the church in Rapide-Danseur, a small town just south of La Sarre in Abitibi-Témiscamaingue, a region north west of Montréal.

Raynald Murphy sca

DESSINER LE PERSONNAGE À L’ENCRE – Dessins au trait et à la hachure

J’aborde depuis le début de l’année une nouvelle série de dessins du personnage fait sur le motif. Je dessine ceux-ci dans un cahier que je me suis procuré à Florence, Italie cet automne. Il est de format 29cm x 21cm. La surface de ce papier de couleur ocre pâle est idéal pour le dessin à l’encre ou au stylo-feutre. Ce carnet à la couverture au motif de Médici est fabriqué à la main avec le papier fait dans cet ville de renom. Il est d’une grande qualité.

Pourquoi le dessin avec un outil permanent accélere le processus d’apprentissge

Voici ce que dit Paul Laseau dans l’introduction de son livre Ink-Line Sketching :

« Pourquoi commencer à dessiner au trait à l’encre? De tous les médiums que j’ai utilisé pour enseigner le dessin, le dessin au trait à l’encre est celui qui favorise mieux le processus de l’apprentissage. Premièrement, la permanence de l’encre nous encourage toujours de se risquer, d’essayer de placer la ligne correctement où elle devrait être. Comme vous le verrai plus tard, ce n’est pas vraiment un problème si la ligne n’est pas placée au bon endroit, parce que la pratique soutenue de placer les lignes correctement bâtit la co-ordination entre la main et l’œil, une nécissité pour le dessin. Lorsqu’on utilse le crayon graphite, il y a tendence d’être timide, soit en utilisant des lignes pâles ou soit en effacant les lignes moins bien placées. Afin d’apprendre à dessiner, il vaut mieux faire une douzaine de mauvais dessins que d’en faire un qui est acceptable. Deuxièment, le dessin au trait tend à accentuer la structure du dessin au lieu des nuances du médium. Dans le dessin au trait permanent à l’encre, les variables ou les options sont limités par le choix de la largeur de la pointe du stylo. En limitant d’avantage les options et en choissisant une pointe qui produit une ligne uniforme peu importe la direction qu’on la dérige, la priorité est mise sur l’observation au lieu de la décoration du dessin. Donc, le dessin devient une source continue d’apprentissage au lieu d’une série de performances. »

Scène en contreplongé à partir du deuxième palier à l’atrium du patinoire de L’édifice Bell au 1000 de la Gaughetière, Montréal le 2 janvier 2012. Je commence le dessin par celles debots avant qu’ils bougent.

Deux scènes croquées à la partir du couloir intérieur nouvellement aménagé de la Place des Arts de Montréal. Celui au bas représente des gens au guichet de la Place des Arts, Montréal le 9 janvier 2012. Ici il est important de bien juger la taille de ceux à l’avant-plan par rapport à ceux plus loin.

Quelques personnes se reposant à l’atrium du Complexe Desjardins, Montréal, le 9 janvier 2012. D’ordre général je commence par dessiner le profil ou l’ensemble de la tête des personnes. Ensuite, il est important de dessiner les mains s’ils sont visibles avant que la personne les bougent.

Le dessin en haut représente  des gens au Complexe Guy-Favreau au café près des bureaux de réquisition de passeports, le 9 janvier 2012. Les deux autres scènes ont été dessinées à la foire alimentaire de la Place-Vertu à St-Laurent, le11 janvier 2012. Lorsque le temps me le permet j’ajoute des détails des environs.

On se retrouve à la foire alimentaire de la Place-Vertu à St-Laurent le 11 janvier 2012. Je choisis parfois d’accentuer certains personnes en ajoutant plus de hachures pour déterminer les valeurs.

Persistez avec les mêmes outils pour un certain temps

Une façon d’améliorer la maîtrise d’un médium est de s’en servir de façon soutenue afin de l’apprivoiser. Autant les sportifs ont prouvé ce principe d’autant plus il s’agit pour le dessin. L’apprentissage se fait d’après-moi à petit pas. Les résultats ne sont pas immédiatement évidents mais à long terme il y aura progrès. Dans mon étagère je dois compter plus que cent carnets de toute dimensions et tous remplis de dessins. Parfois je revois ceux des années précédentes, et je me surprends à voir le changement et l’amélioration.

Bon dessin,

Raynald Murphy sca

ACHIEVING LIGHT IN WATERCOLORS – Quotes from Jeanne Dobie’s & Charles Reid’s books

About these five watercolors

Look at these five watercolors carefully. Have you noticed how many white shapes were left unpainted?  I believe that is what makes them look bright and joyful. Both Making Color Sing by Jeanne Dobie and Charles Reid’s Watercolor Secrets are must read books equally for the beginner and for the advanced watercolorist. Dobie talks about the importance of whites while Reid explains how painting in watercolor in ordinary sketchbooks helped improve many facets of his art.

The importance of whites in watercolors according to Jeanne Dobie

“Your whites should be like pearls, containing many beautiful colors and yet remaining white.”

“Keying your whites can make the difference between a watercolor with an ordinary light-dark contrast and a watercolor that develops a glowing contrast.”

“When I ask students, ‘What is the strongest element in a painting?’ the usual responses are: spontaneity, technical control, a strong dark design. While these are desirable qualities, my students seldom think of the simplest element of all – leaving the white paper white.”

“If the viewer’s eye is drawn first to the light areas of a painting, shouldn’t the artist develop the white shapes into something distinctive?

“…For the untouched white paper to be the strongest elements in a painting, I stress the idea of working with unpainted shapes from the beginning.”

Charles Reid in Watercolor Secrets has this to say

Sketchbooks taught me about the importance of time (actually the lack of it) needed to make a good drawing or painting while working on the spot. I learned that I didn’t have time for sketching with searching lines; I needed a single, carefully considered contour line to capture my subject or scene. Slowly my drawing improved. I started painting in sketchbooks in the late 1970’s, suing the same light drawing paper, and found that I couldn’t correct or use overwashes on fragile sketchbook paper.

This changed my approach to all of my watercolor painting. Even when I paint with heavier watercolor paper, I strive for the correct tonal-value with my first try. I don’t always manage a finish with my fist try but it’s always my goal.

Strive for the correct tonal value from the start

I painted this series of watercolors on Strathmore Aquarius II 80 lb. paper. This paper is soft and does not accept corrections well, if at all. Paradoxically that is one reason why I like the paper. I strive for the correct value from the start like Charles Reid and never think of “correcting”. For me, a painting either works or it doesn’t. It is only a sheet of paper and modifying the original washes makes the watercolor loose its freshness. I prefer starting over. Also, like Charles Reid, I sometimes paint in ordinary fragile paper sketchbooks. As a matter of fact, some of the watercolors painted by Yvon Masse and myself which were reproduced in our latest book “Carnets du Vieux-Montréal” were painted on ordinary paper, not on watercolor paper.

NOTE: Two of the five posted paintings were done on site at Camp Kinkora located near Montreal. The other three were worked in the studio using elements from these and from sketches done outdoors. I did not use any photo references for this series since I had plenty of information and I am also very familiar with the site.

Raynald Murphy sca

JE DESSINE LE PERSONNAGE SUR LE MOTIF – J’en fais à la tonne, et je crois m’améliorer petit à petit

Lorsque je quitte la maison j’apporte toujours un carnet et quelques crayons et stylos afin d’être prêt à dessiner en toutes occasions.

J’aime croquer tous genres de sujets, mais c’est le dessin du personnage qui m’attire beaucoup parce qu’il présente un certain défi.

Dessiner le personnage avec une certaine précision sans exagérer aucune partie du corps semble parfois difficile pour le débutant. L’exactitude des proportions est possible lorsqu’on en fait en quantité et avec passion.

On peut tricher lorsqu’on dessine un arbre ou même un bâtiment mais c’est plus difficile avec l’être humain.

La raison en est que la plupart des gens ont une bonne connaissance des proportions des membres du corps humain et perçoivent immédiatement la moindre erreur.

 Donc, on ne peut guère s’éloigner des standards sans que notre personnage ne semble disproportionné.

Je dessine souvent le personnage lorsque je voyage en métro ou en attente sur la plateforme.

Je dessine ces temps-ci dans un carnet à couverture rigide de la marque Cachet par Daler Rowney, format 20 cm x 13 cm. Le papier teinté crème me permet d’ajouter du blanc avec un crayon de cire de la marque Prismacolor afin de rendre la valeur plus pâle.

Pour rendre les valeurs plus foncées j’utilise une variété de crayons : le crayon graphite, les crayons de cire ou même des stylos-feutres à pointe mince ou larges. Comme bien des choses, on s’habitue aux inconvénients du mouvement du wagon lorsqu’on dessine souvent. Lors de l’arrêt du train en station, les quelques secondes où la rame est immobile permettent  de dessiner les formes principales des victimes.

Les formes initiales, surtout les contours, sont souvent faits avec un marqueur feutre noir. Ceci m’incite à me concentrer d’avantage car le stylo permanent ne pardonne pas. Il y a une centaine de pages dans mon carnet, donc je n’ai pas à m’inquiéter si je fais une erreur. J’en commence un nouveau à côté du premier. De toute façon, je dessine pour mon plaisir sans penser à la publication. Comme pour la musique, ces croquis sont mes gammes et non le concert.

Si le temps me le permet, j’ajoute tout de suite les valeurs à mes premiers contours. Mais si trop de gens m’entourent,  je reviens sur mes dessins plus tard. Le refuge d’un resto-café est aussi un endroit que je privilégie pour les compléter.

Par contre, je préfère ne pas toujours remplir,  colorier ou ajouter au dessin initial.  Souvent j’aime mieux laisser la ligne définir la forme par elle-même. Certains traits par leur caractère initial soit minces ou épais décrivent déjà le personnage.

C’est l’action et le processus du dessin qui me passionnent. Je tente de saisir une tranche d’un moment vécu et de le transcrire sur papier à ma façon.

Bref, on s’améliore et on arrive à une calligraphie personnelle en dessinant souvent sur le motif. Il n’y a pas de raccourci.

En ce début d’année 2012, pourquoi ne pas se donner le mandat et le plaisir de dessiner le personnage pour soi-même, et de le faire le plus souvent que possible?

Je vous promets des résultats surprenants si vous persistez.

Raynald Murphy sca